Apollo 18 (Gonzalo López-Gallego, 2011)

Aunque en los ochenta hubo experimentos como Holocausto Canibal (Ruggero Deodato, 1980), el género del found footage se hizo popular en 1999 con El proyecto de la bruja de Blair (Edward H. Ferebee y Daniel Myrick). He de reconocer que me impactó, pero lo que no podía imaginar es que aquella moda tendría tanta continuidad, y que llegaríamos a aceptarla plenamente. Mi principal reserva se fundamentaba en la poca o nula verosimilitud de que los protagonistas de una experiencia traumática in extremis, conservaran al mismo tiempo el temple necesario para documentarlo todo en vídeo.

Sin embargo, en los doce años que han pasado, el espectador parece haberse acostumbrado a la impostura, aceptando el pacto de ficcionalidad y sumergiéndose por completo en la trama. Ya asumimos plenamente la argucia narrativa de siempre: ese deber moral y anti-sistema de documentar un horror, desencadenado casi siempre por la acción (u omisión de acción) de algún ente de poder más o menos concreto, que desea que la verdad no salga a la luz. Cuando no se trata de una acción insurgente, las grabaciones podrían simplemente constituir un cuaderno de bitácora, o en los casos más dramáticos, un testamento. Como sea, y por si acaso no resultara del todo convinencente, casi siempre ponen a alguien diciendo "¡Apaga esa puta cámara! ¿Por qué cojones tienes que grabarlo todo?" o alguna fórmula similar. A mi me vale.

El género ha madurado con el tiempo, y nos ha permitido disfrutar de títulos muy interesantes, casi siempre de terror, como Rec (Jaume Balagueró, 2007) o Paranormal Activity (Oren Peli, 2007) y sus continuaciones, pero a veces también se ha orientado a la ciencia ficción, como es el caso de Monstruoso (Matt Reeves, 2008).

Apollo 18, navega con soltura entre ambos géneros, y es un film con una premisa tan buena que cuesta creer que a nadie se le ocurriera antes. Narrada en primera persona, y ambientada en la Luna, con la carrera espacial norteamericana como trasfondo, el guión de Brian Miller era un lujo para Gonzalo López-Gallego, un declarado entusiasta del género (tal como apuntaba en Bajo el arcoiris). La vinculación al programa Apollo ofrece posibilidades infinitas al genero, tanto en el plano narrativo como en el visual y plástico, reforzando la credibilidad de una ficción que siempre coquetea con la realidad.

Comienza con un prólogo ágil que en pocos minutos nos pone en situación (y también en órbita). A los diez minutos ya hemos alunizado y comenzado la misión. La trama no es nada nuevo, de hecho, coincide en muchos puntos con un filme tan mítico como Alien, El 8º Pasajero (Ridley Scott, 1979) pero el buen trabajo actoral y la narrativa del found footage, más depurada y natural de lo habitual, pronto nos hace olvidar cualquier referencia.

La posibilidad de estudiar viejas grabaciones oficiales y tratar de recrear en postproducción su particular textura fílmica es sin duda un caramelo para los artistas gráficos, y en Apollo 18 se ha logrado con todo lujo de detalles, encubriendo con éxito los parajes desérticos canadienses donde fue rodada. Realmente parece una misión del programa lunar. Los trajes espaciales, el cohete, las cápsulas, las bromas de los astronautas... Todo nos resulta familiar, y por ello, una vez se desata, el terror resulta doblemente impactante. López-Gallego ha dado además un cariz emocional a los cortes bruscos y a los virados de color tan caracteristicos de esas viejas grabaciones en 8 o 16 mm, pues casualmente aparecen en los momentos más tensos. 

Del mismo modo, a pesar de usar los códigos clásicos del horror film, no solo sufriremos los chimpunes creados en la sala de montaje; también hay escenas de suspense muy elegantes y estudiadas, como el hallazgo de una nave rusa (un gran trabajo de diseño), o esos leves movimientos en un páramo rocoso.

Precisamente durante esos misteriosos movimientos, agradecí mucho una referencia bastante clara e intencional al papel del narrador onmisciente, rara vez aludido en estos films que se basan casi únicamente en una pretendida y falsa narración testimonial. Si este material fue realmente encontrado ¿Quién lo hayó? ¿Con qué intención lo está montando? ¿Dónde piensa exhibirlo?. Aunque Apollo 18 no responde a estas preguntas, si que incluye varios zooms artificiales que dirigen claramente nuestra mirada a la zona rocosa que se mueve, reforzando la figura del montador. Es decir, el material encontrado se habría editado con una vocación documental, no dramática. El narrador no se esconde tras un montaje convencional, sino que refuerza su presencia siempre que tiene ocasión.

Aunque no sintamos auténtico horror, el suspense se mantiene con eficacia y hay momentos de tensión muy logrados. El guión puede flaquear en algún punto (el secretismo de la Nasa; la crueldad de los responsables en Tierra; o la verdadera naturaleza de la misión se revelan como pobres excusas orientadas a escenificar esta situación límite), pero el diálogo esta bien escrito y la estructura es correcta, lo que hacen de Apollo 18 una película aceptable, interesante y francamente entretenida. 

El Llanero Solitario (Gore Verbinski, 2013)

Fui al cine a ver El Llanero Solitario muy intrigado por la respuesta negativa del sector más conservador de la crítica estadounidense, y es que la Historia Fundacional de los EE.UU. no deja de ser una época oscuroa sobre la que no se permiten demasiadas frivolidades. La película sustenta una trama de ficción sobre la historia real de la colonización y aun disfrazada de comedia y cinta de acción, juzga duramente a sus artífices.

Parece que últimamente, reivindicar el western está de moda. Ya sea en forma de remake revisionista crepuscular, como en Valor de Ley (dónde Jeff Bridges se medía con el mismísimo John Wayne), tributo metalingüistico a golpe de hip-hop, como en Django Desencadenado, o una simple comedia de aventuras con tintes dramáticos, como en el caso que nos ocupa.

Reconozco a los detractores que la película está inflada en todos los sentidos, tanto en su duración, como en su épica o su empaque visual. Sobra bastante metraje, casi todo en el tramo medio, donde las idas y venidas de los héroes a través del desierto se suceden sin que haya ninguna progresión real en la trama, que por otro lado es bastante simple (el giro final se huele a kilómetros de distancia).

En este aspecto, la parte del burdel me parece bastante prescindible, y no solo por tener que soportar una vez más a Helena Bonham Carter convertida la musa de un emo entrado en años (pareciera que su marido Tim Burton la haya desmembrado y cosido de nuevo, haciéndola volver de entre los muertos como una muñeca condenada a repetir lo mismo una y otra vez), sino también por cuestiones estructurales y de narratividad.

El Llanero Solitario quiere reivindicar la vieja gloria del western clásico, no sólo usando los mismos héroes arquetípicos; situándolos en localizaciones reales de Utah o Arizona, o dotando a los planos de aquel tono ocre brillante, sino también recurriendo al homenaje (o plagio) directo de títulos legendarios, en especial de la obra cumbre de Sergio Leone, Hasta que llegó su hora, en dos escenas muy concretas. Agradecí esta épica al principio, pero hacia el final me resultó ya demasiado machacona, cuando la sombra de Leone empezó a ser demasiado obvia en el aspecto visual y plástico.

Aunque no soy amigo de los excesos, debo decir que lo más logrado de la cinta son los momentos de acción. Que no se me malinterprete; el atractivo de estas escenas radica en un montaje ágil, y en un bien entendido sentido del espectáculo y de la aventura, no en la destrucción masiva ni en el exhibicionismo técnico presente en los últimos blockbusters.

También merece una valoración positiva el elenco protagonista. Armie Hammer logra encarnar con gracia a ese héroe simpático de moral patética y trasnochada. A Johnny Deep y la Carter, pude digerirlos con más facilidad que en sus últimos trabajos y los secundarios están correctos y cumplen su función. También hace un buen trabajo el compositor Hans Zimmer, junto al no acreditado Jack White, que abandonó  su trabajo en mitad de la producción. Ambos logran transmitir con su música el tono adecuado para esta película.

El Llanero Solitario es, en definitiva, un divertimento a la altura de las espectativas; y más tratándose de Disney y Bruckheimer. Quizá un poco dilatada en su tramo intermedio, pero igualmente disfrutable, técnicamente intachable y con un toque antiamericanista que siempre se agradece.

Halloween. La Maldición de Michael Myers (Joe Chapelle, 1995)

Aquí estamos de nuevo con el ciclo Halloween, analizando la sexta parte de la saga: Halloween; La maldición de Michael Myers. Algunos de mis lectores me han recomendado abandonar de una vez la casposidad de las últimas aventuras del sanguinario asesino de la máscara blanca, para priorizar otro tipo de películas más actuales, que situarían a este humilde bloguero en la primera línea de las búsqueadas de Google. Y no les falta razón, pues poca o ninguna chicha puede sacarse a estas alturas a la franquicia. Sin embargo, es menester terminar lo que uno empieza, y aparte de que la experiencia esta siendo enormemente divertida, si algo aprendí en la Universidad, es que todo es susceptible y digno de análisis.

En 1995, el director Joe Chappelle - reubicado en la industria televisiva como productor/director de los sonados éxitos de The Wire y CSI - trata de cerrar la historia que seis años antes se había quedado en un punto álgido, con Jamie Lloyd secuestrada por un misterioso hombre de negro, que también había liberado a Michael convirtiendo la comisaría donde le recluían en un auténtico matadero. Con excepción del incansable Donald Pleasence, el reparto es completamente nuevo y sitúa a los personajes 10 años después de los acontecimientos narrados en Halloween 5. Ahora, descubrimos que Michael y Jamie permanecen ocultos en el sótano del sanatorio mental Smith's Groove, protegidos por una secta satánica celta, que apoya y sustenta el legado de Michael Myers. Cuando Jamie trata de huir con su hijo recien nacido, es brutalmente asesinada por su tío poco después de ocultar a su bebé, que es recogido por Tommy Doyle (Paul Rudd), el niño que sobrevivió al primer ataque de Michael y protegido en Haddonfield por Kara Strode (hermanastra de Laurie), y el propio doctor Loomis.

La premisa de la secta ocultista era ciertamente novedosa y prometedora, y tiene cierto desarrollo hacia el ecuador de la película. Pero aunque se intente dar una justificación a los asesinatos de Michael y una explicación a su inmortalidad, todo ello está cogido con alfileres y se hace confuso y poco creíble, debido en gran medida a los recortes que sufrió la película en la edición (circula por ahí un Producer's Cut). Desprovista de una base sólida, Halloween 6 es otro slasher más que no aporta ninguna virtud sobre sus antecesoras, repite los mismos fallos e incluso prescinde de lo más valioso que tenían Halloween 4 y 5; la niña Danielle Harris, que fue sustituída por una tal J.C. Brandy en su papel de Jamie. El resto del reparto no es para tirar cohetes; y tan solo es interesante, como mera curiosidad, la presencia de Paul Rudd, que unos años después conocería el éxito en la serie Friends, interpretando al marido de Phoebe. Donald Pleasence mejora sustancialmente con respecto a su trabajo en la quinta parte, ofeciendo una épica y veteranía al personaje de Loomis que supondría un digno final para el personaje.

El actor falleció unos meses después de finalizar la película y con su muerte se cerraba el arco argumental en torno a Jamie Lloyd, constituído por las partes 4, 5 y 6. Hablando claro, las tres me han parecido malísimas, pero reconozco a la cuarta y a su productor Mustapha Akkad - el miembro más veterano del equipo, presente en todas las películas de la saga -, la valentía de intentar actualizar los personajes creados por John Carpenter. En cualquier caso, esta segunda trilogía es muy apreciada por los fans, que la elevan a la categoría de cine de culto, como demuestran las contínuas apariciones de Danielle Harris en diversos filmes de terror posteriores, así como su presencia en muchísimas convenciones dedicadas a Halloween o al fantástico en general.

Tres años mas tarde la saga iniciaría su tercer reboot comercial con la vuelta de Jamie Lee Curtis en las películas Halloween H20 (Steve Miner, 1998) y Halloween Resurrección (Rick Rosenthal, 2002).

Silencio desde el mal (James Wan, 2007)

Tras el éxito de Saw (2004), James Wan dirigió Silencio desde el mal, o Dead Silence (2007), una historia de fantasmas contemporánea pero con un aire clásico que ya apuntaba por donde iban a tirar trabajos posteriores como Insidious (2010) o la reciente The Conjuring (2013).

Encontramos en Dead Silence algunos de los elementos iconográficos que pasarán con el tiempo a ser "su sello". Esto es, un fetichismo obsesivo hacia los muñecos, una estética manierista algo deudora de la Hammer, y una insistencia en montaje de impacto propio de las películas de terror, que a diferencia de en Insidious, aquí no ofrecen ese "algo más" quedándose en la mera repetición de la vieja fórmula.

De todas sus películas, esta es la que me ha parecido más floja, impostada y facilona. Una historia de fantasmas que de tan clasicista resulta antinatural y recargada. Pareciera que Wan hubiera redactado una lista con sus imágenes terroríficas favoritas y las hubiera metido a propósito en el guión. Tenemos un muñeco diabólico, un cartel ajado de "Bienvenido a Ravens Fair, un bello lugar para vivir" (como en Pesadilla en Elm Street o Silent Hill), la mecedora moviéndose sola (como en the Legend of Hell House), un ominoso teatro en ruinas (como en Angustia, de Bigas Luna y algún relato de Clive Barker) y un riachuelo que alude directamente al siniestro lago Aqueronte, de la mitología griega, por no hablar de unos créditos iniciales inspirados en el trabajo de Kyle Cooper para Seven (David Fincher, 1995). Aunque Wan cuida los detalles, al final, el resultado plástico de estas imágenes me resulta excesivamente artificioso y por debajo de otras obras anteriores muy similares.

Con la historia me ocurre más o menos lo mismo que con la fotografía. El guión aspira a ser el cuento gótico de fantasmas definitivo, pero no consigue ser más que un batiburrillo de historias de campamento contadas a la luz de una linterna. Por ello, el desarrollo de la historia no suscita el interés suficiente y las distintas partes del enigma tardan en interconectarse impacientando así al espectador. Al menos a este espectador, que ya en la primera hora estaba diciendo... "contadme lo que sea, pero contádmelo ya".

Entre sus aciertos, he de decir que algunos sustos estaban bien conseguidos (a la manera clásica) y que el climax final me pareció bastante original, aunque me fallen todos los giros que me han llevado hasta allí.

No está mal para un sábado por la tarde, pero sin duda podría estar mejor. Podría tener la cómica desvergüenza de Insidious, la belleza plástica de The Conjuring y la mala hostia de Saw, pero bueno... todos tenemos un hijo coñazo. Quizá Dead Silence sea el de James Wan.

Pacific Rim (Guillermo del Toro, 2013)

Este esperadísimo estreno mundial, de la mano del maestro del fantástico Guillermo del Toro, ha costado 180 millones de dólares. No va camino de recuperarlos, la película ha sufrido un batacazo el primer fin de semana donde tan solo logró recaudar 37. Como fuera y a pesar de las voces críticas y la taquilla, fui al cine con la mente libre de prejuicios dispuesto a pasar un buen rato. Pacific Rim quiere ser una reactivación del género kaiju japonés, es decir, ese cine de bestias gigantes (extraterrestres o no) que asolan el planeta Tierra poniendo en jaque toda nuestra industria armamentística y militar.

Aunque siempre he concebido el cine en términos de espectáculo, y he esgrimido a capa y espada la máxima de complacer a la audiencia, de dar al público lo que quiere, llega un momento en que uno reclama del cine en general, y del blockbuster palomitero en particular, algo más que dos horas de montaje acelerado e impactantes efectos especiales. La cantinela de "cumple su función, que es entretener" empieza a parecerme ya un argumento demasiado frágil e indulgente, para según qué películas y también para según qué directores, de quiénes se espera que aporten ese algo más al que nos tiene acostumbrados.

Cuando entré en Pacific Rim sabía más o menos lo que me iba a encontrar, y no diré que he tirado el dinero, pero sí que esperaba que el sello personal de Guillermo del Toro, quien ha demostrado en el pasado ser un devoto amante del género que se trae entre manos, se extendiera más allá de contar con Ron Perlman y Santiago Segura. Esperaba su profundo respeto por los clásicos, una mirada cercana y un mórbido humor negro más allá del ramblón y manido chascarrillo norteamericano.

El guión co-escrito por el propio director junto a Travis Beacham nos resume, en un acelerado prólogo, varios años de encarnizada batalla contra los kaijus, para empezar la narración justo donde la lucha se tuerce para el género humano. No han pasado ni cinco minutos, y ya hemos visto varios kaijus de cuerpo entero, echando a perder el suspense que sí tienen películas como Parque Jurásico (1993), Tiburón (1979), Monstruoso (2008), Super 8 (2011), o las sagas de Godzilla (a las que Pacific Rim rinde tributo).

La historia avanza con la precisión de un reloj, haciendo sonar la alarma en cada minuto clave. Pareciera el guión de un prometedor estudiante de cine, que aunque perfecto en su estructura, redunda en un tópico tras otro hasta el punto que no es dificil anticiparse a las pobres líneas de diálogo de sus personajes, o a sus actos. El honor, el valor, el sacrificio, la lealtad y todos esos valores tan del gusto de los americanos, son reflejados de forma arquetípica en personajes igualmente planos, produciéndonos una cierta sensación de dejá vu. Por momentos pareciera que estamos ante una película de Roland Emmerich, no sólo en cuanto a los tópicos, sino también en el aspecto visual, pues su fotografía nos recuerda a esas estampas coloristas del cine de acción noventero.

Muchos alzarían aquí la voz diciéndome que la película "es lo que es", que entretiene, y que si acaso me esperaba encontrar un tratado filósofico o un ensayo sobre la vida y la muerte. Claramente les contestaría que no, en absoluto. Pero que tratándose de Del Toro esperaba, o bien un claro posicionamiento a favor de la parodia y el homenaje (es un reconocido admirador de estos géneros), o bien una historia épica que lograra conmovernos mínimamente, pero no el tono errático de Pacific Rim, que no tiene claro si pertenece a uno u otro género. Y es que las escenas de humor y los personajes cómicos no me reconcilian con el director, sino que me resultan artificiales en un film que va de épico.

En otro orden de cosas ¿De dónde vienen realmente los kaijus? Eché de menos algo más de identidad en el enemigo, que se si bien se apunta, no llega a germinar. Estos detalles hubieran dotado al guión de cierta consistencia.

Me entretuvo, sí. Pero definitivamente esto no es siempre suficiente. Ninguno de los personajes, pese a sus dramas personales, logró conectar conmigo en un plano emocional, y en este sentido hasta Man of Steel (que peca de los mismos excesos) sale victoriosa frente al film que nos ocupa. Le deseo todo lo mejor a Guillermo del Toro, pero en este caso, y si me concedieran ser árbitro de un mega-torneo galáctico, los Jaegers de combate de Pacific Rim no han podido resistir el envite del hombre de acero, ni los torpedos fotónicos del Enterprise.

Halloween 5, La venganza de Michael Myers (Dominique Othenin-Girard, 1989)

Seguimos con la saga de Halloween. Confesaré que algo cansado, pues la calidad de estos filmes disminuye de forma preocupante con cada película. Digamos que me he propuesto completar el ciclo, siendo como soy fan incondicional del hombre del saco de Haddonfield, y sin ningún tipo de motivación más allá de la simple curiosidad. Comenzamos.

A pesar del final mostrado en Halloween 4: El retorno de Michael Myers, el personaje no ha sido abatido por las fuerzas del orden, sino que continúa vivo. Durante un año ha sido cuidado por un vagabundo, pero en la víspera de Halloween mata a su benefactor y retorna al pueblo de Haddonfield en busca de venganza. Jamie (Danielle Harris), en tratamiento psiquiátrico, y visitada frecuentemente por el Dr. Loomis (Donald Pleasence) poco imagina que su malvado tío la busca para completar el trabajo que inició años antes matando a todos sus parientes.

La quinta parte hereda los defectos de la cuarta y añade alguno más; los personajes son aún más caricaturescos y los acontecimientos predecibles y tópicos a más no poder. No faltan clásicos como la fiesta adolescente que acaba en masacre, la pareja asesinada en plena escena de sexo, y unos crímienes que aunque con sobradas dosis de sangre y visceras, están rodados sin imaginación y sin nervio. Todo ello se sucede en un guión aburrido que no genera empatía alguna con ningún personaje aparte de Jamie.

El gran Donald Pleasence está, una vez más, desaprovechado, e interpreta como puede a un Dr. Loomis reducido a la mera fachada y condenado a recitar diálogos tan vacíos como el alma de su enemigo. El actor está más perdido que nunca, y ni siquiera su enfrentamiento verbal con Michael resulta creíble ni tan intenso como se pretende.

Eso sí, la joven Danielle Harris vuelve a bordar su papel de Jamie; y la expresión de su rostro es lo único que logra hacernos sentir terror en un panorama tan deprimente para el género y para la saga. Es una de sus escenas la única que apunta destellos de genialidad (cuando Jamie, postrada en un ataúd infantil, logra conmover al asesino), pero incluso en esta ocasión, todo se queda en el intento, debido al pobre contexto en que se ubica la secuencia. Y es que, detalles como ese ataúd (y otros muchos), se adivinan metidos a la fuerza en el guión, solo para añadir elementos terroríficos aleatorios sin mucho orden ni criterio ¿Qué ritual mueve a Michael a robarlo del cementerio? ¿A que responden las velas encendidas por toda la estancia? Terror de postal, dirían algunos.

Como no podía ser de otra forma, el filme termina dejando la puerta abierta a una posible continuación, pero lo hace una manera tan ramblona e improvisada como todo lo visto hasta ahora. Resumiendo, Halloween 5 es el perfecto ejemplo de cómo arruinar dos premisas que, narradas de otra forma, podrían haber dado mucho juego. Esto es, la conexión telepática de Jamie con Myers y la existencia de una sociedad ocultista interesada en perpetuar su legado de sangre. Sólo aconsejable para los que, como yo, quieran completar el ciclo por mera curiosidad.

Expediente Warren (The Conjuring, 2013)

Aunque me llegué a perder en la vorágine de sangre que suponen las secuelas de Saw y sus cada vez más rimbomantes escenas de crímenes, sigo reconociendo el impacto que me causó la primera parte, por lo novedoso de su propuesta. Insidious es otra historia, me pareció tan divertida y original, sobre todo en su tramo final, que ahora con Expediente Warren, no podía sino otorgar a James Wan el crédito que se ha ganado y pagar mis siete euros por ver su último trabajo.

Los investigadores pananormales Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga) intentarán ayudar a los Perron, una familia aterrorizada por una presencia oscura en su recien adquirida casa en el campo. Decididos a enfrentarse a la poderosa entidad, los Warren llegan a arriesgar sus propias vidas en uno de los casos más terroríficos de su carrera. Al parecer, estamos ante un hecho real, e incluso los miembros de la familia Perron están participando en las labores de promoción, avalando el filme y asegurando su fidelidad a los hechos. Como para perdérselo ¿No?

Una de las cosas que más me gusta de James Wan, es que es un director impredecible. Confieso no haber visto todas sus películas, y quizá por eso no veo de momento en su dirección un patrón definido. Una cosa sí puedo decir, Insidious es una de las pocas películas que logró sorprenderme, tanto por su precisión milimétrica a la hora de planificar los sustos como por la inventiva de los mismos. Dicho de otro modo, sí, Wan utiliza los clásicos trucos de montaje y de sonido, pero lo que vemos en pantalla es algo más que una mano en el hombro, o sombras moviéndose en el área desenfocada de la pantalla. Y este algo más siempre es una originalidad innegable.

Expediente Warren es algo más clasicista y menos arriesgada que Insidious, pero igualmente efectiva y desde luego más humana. Hay en ella una intención de acercar los protagonistas al espectador, de hacernos partícipe del drama familiar que están atravesando. Este es el punto fuerte de la película; Dios sabe que disfruto de lo lindocuando seis o siete adolescentes idiotas reciben su merecido por jorobar a los espíritus, pero Expediente Warren juega en otra liga; no se toma a la ligera las motivaciones de sus protagonistas y eso dota a la película de un cierto realismo en la línea de títulos como El Exorcista y La Profecía, salvando las distancias, claro.

El guión firmado por Chad y Carey Hayes comienza con un prólogo inteligentemente clarifiador que nos pone en situación y nos previene de lo que vendrá. Hay que reivindicar más estos openings autoconclusivos en la línea de James Bond, Indiana Jones o el último Star Trek, pues funcionan de maravilla y dejan el camino libre para iniciar la que será la auténtica aventura.

A partir de aquí, los momentos de horror están habilmente equilibrados en el tiempo y en su intensidad. Cada uno es más poderoso que el anterior y disfrutamos realmente la tensa espera que nos llevará al siguiente. Mientras tanto, los actores tienen su ocasión de mostrar matices y evolucionar en la medida que el género les permite. Es destacable en este aspecto el papel de Vera Farmiga y Lil Taylor, por encima de sus compañeros masculinos, Patrick Wilson y Ron Livingstone.

La ausencia de actores taquilleros permite sacar todo el jugo a los escasos 13 millones de dólares que ha costado la película. Esto es, un buen trabajo de efectos especiales y maquillaje; y una ambientación y puesta en escena sobresaliente con ecos de los mejores horror films de finales de los 70. Agradecí igualmente un desenlace sólido, quizá ingenuo y apresurado, pero sin ambigüedades ni reveses.

El único punto negativo que señalaría es la escena del exorcismo, que me resultó algo floja y excesivamente típica, aunque no olvidemos que el film se mueve entre convencionalismos (con mayor o menor éxito) durante prácticamente todo el tiempo.

A Expediente Warren le ha ido excelentemente bien en su primer fin de semana, recaudando hasta el triple de lo que ha costado. Está, en cualquier caso, muy por encima de cualquier slasher de terror para adolescentes que pueblan a menudo nuestras pantallas, y es un film que cualquier aficionado al género debería ver, pues si bien redunda en los tópicos sobre fantasmas y casas encantadas, lo hace desde un profundo respeto a los clásicos y sobre una estructura y un ritmo intachables.

Halloween 4; El regreso de Michael Myers (Dwight H. Little, 1988)

Tras el fracaso de la tercera parte, que obviaba la figura de Michael Myers para centrarse en una historia algo más ligera y completamente nueva, el productor Mustapha Akkad (único miembro del equipo original ) decidió retomar el personaje que hizo grande la saga, con un guión de Alan B. McElroy (cuyo trabajo más serio sea quizás Spawn) y sin el respaldo de Debra Hill ni John Carpenter, co-productores de las tres primeras. Carpenter ni siquiera volvió para componer la música, aunque su tema principal es reinterpretado junto a un nuevo score de Alan Howarth. El director encargado de resucitar a Myers fue Dwight H. Little, un veterano de la televisión que hoy día sigue en el negocio y tiene a su cargo varios capítulos de la serie Bones.

Diez años más tarde de la masacre perpetrada en el pueblo de Haddonfield (narrada en Halloween I y II), el cuerpo de Michael Myers, aun vivo pero aparentemente en coma, es trasladado del Sanatorio Federal Ridgemon al hospital de Smith Grove. Durante el traslado el paciente despierta provocando la muerte del personal médico y el conductor. Es libre otra vez, y sus pasos le llevarán nuevamente a Haddonfield, donde reside su único familiar vivo: Jamie (la niña Danielle Harris), hija de su hermana Laurie Strode. El Dr. Sam Loomis (Donald Pleasence) le sigue la pista y tratará de prevenir a la pequeña y su famila adoptiva.

Desprovista del equipo original de las tres primeras entregas, esta Halloween 4 hace aguas por todas partes dónde sus antecesoras únicamente patinaban un poco. El guión de McElroy deja importantes preguntas sin contestar acerca del destino de los personajes en la segunda parte. Jamie, la hija de Laurie, vive con una familia de acogida, pero no sabemos qué ocurrió con la propia Laurie. Por otro lado, resucitar a Myers quizá no sea tan grave (ya sabemos que es inmortal), pero hacer lo propio con Sam Loomis, quien debió morir incinerado al término de Halloween II es una vacilada importante.

El guión, tanto en su estructura como en el diálogo, es simple hasta decir basta. Personajes planos y estereotípicos y actitudes impostadas. Las fatales decisiones que llevan a los personajes a su propia muerte son ahora más forzadas que nunca, y los despropósitos se suceden uno tras otro. Por ejemplo; una improvisada patrulla callejera contra Michael compuesta por camioneros borrachos, acaba matando por error a un chaval; los protagonistas se atrincheran en una casa para protegerse, y la vivienda se transforma en una ratonera de donde no pueden escapar; Loomis, que actúa como protector de Jamie, no tiene sin embargo problemas en abandonarla, y casi al final, la conduce hacia la escuela pública, que tan pronto parece el lugar más seguro del pueblo como se convierte en un tenebroso laberinto de sombras donde Myers tiene el control. El caso es que ninguna de estas situaciones sería tan patética si la trama estuviera más trabajada, pero conforme se desarrolla el argumento sentimos que casi nada tiene sentido.

El cuidado trabajo de Dean Cundey en las entregas anteriores es sustituido aquí por una impersonal y nada inquietante fotografía de Peter Lyons Collister que no tiene ningún reparo en mostrarnos al asesino generosamente, en vez de mantenerlo en sombras como hacía Cundey.

Halloween 4 quiso ser una reactivación de la franquicia, se nota su afan de resultar moderna y agradar a las nuevas audiencias, y aunque no conserve la seriedad de las dos primeras, algo bueno se puede sacar de ella. Por un lado, se agradece tener de nuevo a Donald Pleasence haciendo de Loomis. Por otro, hay que destacar la profesionalidad de Danielle Harris, que a su tierna edad logró dar forma a un personaje interesante que se perfilaba como un digno sucesor de Laurie Strode (Jamie Lee Curtis).

Es precisamente Harris quien poco antes de los créditos finales protagoniza la escena que daría continuidad de la franquicia. Esta última escena es una auténtica gozada, por cómo está rodada (tributando a la primera parte) y por la sorpresa y el shock que nos causa. Lástima que el primer brote de genialidad de la historia llegara tan tarde.

La carátula de Halloween 4 me tuvo atemorizado durante largo tiempo en mis visitas al videoclub y siempre trataba de alejarme de su diabólica influencia. Ahora sin embargo se me antoja la más insípida de toda la saga. Aun me faltan otras cuatro. No desespero en conocer algún día la causa de la inmortalidad de Myers.

El experimento del Dr. Quatermass (Val Guest, 1955)

Poco a poco voy rellenando lagunas fílmicas. Resulta agradable comprobar como detrás de los grandes títulos, aquellos de los que todos hemos oído hablar, siempre hay una buena provisión de filmes igualmente notables, que por falta de referencias en una era pre-internet, nunca hemos llegado a conocer. Llega un momento en que uno pasa de creer haberlo visto todo, a comprender que aun existe una selva virgen de celuloide, un legado fílmico cuyo visionado se me antoja mitad un deber, mitad un disfrute. Más lo segundo que lo primero.

Hace poco expirementé las bondades de los monstruos de la Universal y recientemente he asomado la patita al desván de la Hammer, productora inglesa a la que pertenece el film que aquí nos ocupa. Se trata de uno de los pocos films de ciencia ficción de esta compañía: El experimento del Dr. Quatermass, del director Val Guest y con guión de Richard Landau y el propio Guest, adaptado de la serie televisiva del mismo nombre.

Una nave espacial, perteneciente a un proyecto liderado por el profesor Quatermass, aterriza de repente en las afueras de Londres. De los tres tripulantes, dos han desparecido misteriosamente. El profesor se hace cargo del único superviviente, apenas vivo, que presenta signos de una pavorosa alteración genética. Pronto descubrirá que los astronautas no han vuelto precisamente solos; una mortal amenaza para todo el planeta Tierra ha viajado con ellos.

Estamos ante un film notabilísimo, con un ritmo envidiable y unos actores más que correctos. La trama engancha desde el primer momento y sabe dosificar la información para mantener el interés a lo largo de la casi hora y media que dura la película, siendo especialmente efectivo todo el tramo final, en el que se desvelan los misterios del film, y se deja la puerta abierta a una posible continuación. En este aspecto, el epílogo es especialmente sugestivo por su tono solemne y su fuerza visual.

The Quatermass Xperiment no tiene nada que envidiar a las producciones norteamericanas de la época. Sus ingeniosos decorados, unos efectos especiales solventes y una fotografía eficiente hacen de esta película una digna competidora de títulos tan vistosos (y bastante más caros) como Ultimatum a la Tierra, de la que se advierte una leve influencia. Algo de admirar, si tenemos en cuenta que su presupuesto que no llega al millón de dólares (IMDB estima su coste en 45.000 libras de la época).

Quizá eché de menos una mayor introspección en el personaje del buen doctor. Brian Donlevy representa aquí el arquetipo de científico loco, pero ese lado oscuro suyo se me hace tan perturbador como escurridizo. Confío en que su personalidad se desarrollara algo más en las secuelas que siguieron.

El film es desde luego un must en cualquier filmoteca del fantástico, y sin duda un primer plato apetecible para todo aquel que quiera adentrarse en los clásicos de la Hammer, como está siendo mi caso. La película tuvo dos continuaciones; Quatermass II (1957) y Quatermass and the Pit (1967), muy apreciada entre los fans. Mientras llegan a mí, no puedo sino recomendar esta primera parte a quienes todavía no la hayan visto.

Halloween III, El Día de la Bruja (Tommy Lee Wallace, 1982)

Tommy Lee Wallace (conocido por su irregular adaptación al telefilme de la obra It de Stephen King) tomó el relevo de Rick Rosenthal en 1982 para dirigir Halloween III; The Season of the Witch. John Carpenter, de nuevo en las labores de producción y colaborador en el desarrollo de la historia, concibió la tercera parte de la franquicia como un nuevo comienzo; una trama de terror sobrenatural que dejaba de lado al sanguinario villano Michael Myers, y que tenía como base el origen celta de la fiesta de Halloween.

Cuando un tendero local es asesinado en extrañas circunstancias, su hija Ellie (Stacey Nelkin) y el doctor Challis (Tom Atkins), quien lo atendió antes de morir, se alían para desentrañar el misterio. Su investigación les llevará al viejo asentamiento irlandés de Santa Mira, donde una fábrica de máscaras de Halloween, esconde un macabro secreto que amenaza a toda la población de Estados Unidos.

En esta película no hay ni rastro de Michael Myers, pues la idea de Carpenter era estrenar cada año una historia de terror distinta que tuviera lugar en la Noche de Brujas. Cuando esta idea - a priori muy atractiva - fracasó debido a los bajos resultados en taquilla, no quedó más remedio que "resucitar" a Myers (si es que alguna vez estuvo muerto) en Halloween 4. Pero de momento, centrémonos en esta inusual y aislada tercera parte, sin ninguna continuidad con las dos películas anteriores.

Aun dentro de los parámetros del cine de terror de la época, resulta difícil creerse una premisa tan extraña y pedestre (¿una fábrica de máscaras como alijo del mal?), y tampoco los protagonistas resultan una pareja de investigadores convincentes. Hay un intento de darles cierta dimensión (mediante una verborrea carismática, miradas de complicidad, etc.), pero el guión se rige por unos parámetros de causa-efecto impostados y artificiales. Por decirlo de otro modo, a los protagonistas les viene todo rodado, y su avance en la investigación es casi tan improbable como el romance que ambos viven en el lúgubre motel en que se alojan (velado homenaje a Psicosis, aquí). A nivel actoral, sólo es reseñable el trabajo de Dan O'Herlihy, quien logra una interesante caracterización en el papel de Conel Cochran, el dueño de la fábrica.

  

El tratamiento visual y sonoro es exacto al de las dos entregas anteriores; se puede disfrutar de nuevo de la pulcra fotografía de Dean Cundey y también Carpenter vuelve a firmar la banda sonora, que, usada junto a los efectos sonoros, ahora nos resulta extrañísima sin Michael Myers. En su lugar, son los siniestros trabajadores de la fábrica los que hacen apariciones repentinas y perpetran algún sangriento crimen. En este aspecto es destacable el trabajo de maquillaje de Tom Burman. Hay mucho más gore y tripas que en Halloween I y II, y a decir verdad, disfrute de la mala leche que destilan los asesinatos.

Como no me esperaba demasiado, lo cierto es que pasé un buen rato. La trama se sigue con cierto interés y las escenas truculentas aprovechan al máximo los 2,5 millones de dólares que costó la película. Eché de menos un mayor desarrollo de las viejas tradiciones irlandesas en las que se fundamenta el guión, pero agradecí el sello personal de Carpenter, presente en la banda sonora (atentos al pegadizo y atemorizante jingle publicitario de Silver Shamrock), y en ciertos detalles de la historia, como su fascinación por los montículos del Stonehenge inglés, que tendrán un papel crucial y que también inspiraron La Niebla.

Star Trek; En La Oscuridad (J.J. Abrams, 2013)

Cuatro años ha tardado en llegar la segunda entrega del nuevo reboot de la franquicia, que iniciara J.J. Abrams en 2009. Se ha escrito tanto de esta película, que apenas comenzaron a llegar las primeras reacciones tras su estreno en EE.UU. este humilde bloguero decidió darse de baja de todas las las páginas y foros de opinión, y desviar su atención de cualquier crítica, comentario o imagen relativa a Star Trek: Into Darkness. Tarea harto difícil en estos tiempos informáticos.

En estos cuatro años, animado por la primera entrega del reboot, por su fino humor, su despliegue visual, y su profundo respeto a la saga, accedí a dar un voto de confianza a la serie clásica, que logré ver al completo en tan sólo unos meses. Digamos que Into Darnkess se estrena en un momento personal de plena efervescencia y renovado amor por Star Trek, pues aunque siempre tuve especial cariño hacia Kirk y su tripulación, mi experiencia se limitaba hasta ahora a las películas.

Dicho esto, entremos en materia.

J.J. Abrams vuelve a conseguir en este film lo que ya logró con el primero, revitalizar la franquicia desde un punto de vista actual sin renunciar al espíritu clásico. El argumento desarrollado por Roberto Orci, Alex Kurtzman y Damon Lindelof no es sólo una puesta al día sin concesiones, que asegura la asistencia masiva del público joven a las salas de cine, sino que también es un brillantísimo ejercicio de nostalgia bien entendida que deleitará a los viejos fans. Tiene todo lo que cabe esperar de una buena aventura; intriga, humor, sensibilidad, romance, situaciones límite y unos efectos especiales que están a la vanguardia de la técnica, todo ello dosificado y estructurado con un sobresaliente sentido del ritmo.

  

Como en sus anteriores películas, Abrams no ha necesitado el toque de Christopher Nolan para complacer a la crítica; esto es, huir de los tópicos, reinventar la saga y dirigirla a audiencias supuestamente maduras. No, Abrams no es un iconoclasta vanguardista que va de hermano mayor, sino un mitómano obsesivo, un restaurador vocacional que antes que encargar un nuevo Batmovil, prefiere comprar la vieja Enterprise en un mercado de ocasión a precio de saldo. No huye de los tópicos, sino que los desempolva, los engrasa, y les quita el óxido para hacerlos lucir como hace treinta años.

La tan criticada línea temporal alternativa de las nuevas películas de Star Trek - que se desató cuando el Capitán Nero mató al padre de Kirk - , ha resultado ser en esta segunda parte su principal virtud. En esta nueva realidad, se desarrolla un velado remake de Star Trek II:  La ira de Khan que ofrece sin embargo, una aventura completamente nueva.

Zachary Quinto, si ya estaba brillante en la primera parte, ha mejorado muchísimo en su caracterización de Spock, haciendo suyo el genio de Leonard Nimoy y ofreciendo lo mejor de su propia cosecha. También disfruté con el desparpajo de Chris Pine, la gracia natural de Karl Urban y por qué no decirlo, el espectacular físico de Zöe Saldana (gran actriz también, sin duda). Benedict Cumberbatch logra un malvado arrebatador y digno competidor del Bane de Tom Hardy o el general Zod de Michael Shannon.

Como nada es perfecto, el guión tiene momentos inverosímiles que no soportarían un análisis lógico, y personajes algo desdibujados (a pesar del buen hacer de Cumberbacth, su villano podría haber tenido algo más de dimensión), pero también buenos diálogos, un elegante sentido del humor y una mirada limpia, optimista y en sintonía con la visión de Gene Roddenberry. Por esto, y por cosas como el maravilloso prólogo al estilo de los viejos seriales de aventuras, no nos queda más remedio que indultar los puntos oscuros de la historia, sin necesidad de fianza o apelación.

Con la humildad del fan que deja volar su imaginación, Abrams nos ofrece el Star Trek que él quisiera ver en pantalla. Una vez fue de los nuestros. Coleccionaba cromos, maquetas y cintas de vídeo. Ahora tiene el crédito y el respaldo de la industria necesarios para ofrecernos la aventura que de niños representábamos haciendo chocar nuestras naves de juguete.

No se me ocurre nadie mejor que él para entrar en el taller de George Lucas y pedirle prestados sus viejos cacharros. No veo el momento en que las puertas del Rancho Skywalker se abran, y este mecánico bajito, gafotas y de generosa nariz se ponga su mono de trabajo, para tratar de arreglar la hipervelocidad del Halcón Milenario. Si lo hace la mitad de bien que lo ha hecho con Kirk y los suyos, podemos estar tranquilos.

Así es que larga vida, prosperidad, y que la Fuerza nos acompañe a todos.

Halloween II, Sanguinario (Halloween II, 1981)

Tras el sorprendente éxito de La noche de Halloween (John Carpenter, 1978), hoy elevada por mérito propio a la categoría de clásico indiscutible del cine de terror, y teniendo en cuenta su final abierto, ya entonces parecía claro que tarde o temprano tendríamos una secuela. Así ocurrió tres años más tarde con Halloween II (1981) que contaba con Rick Rosenthal en la dirección, y un exiguo presupuesto de 2,5 millones de dólares, superior no obstante a los ridículos 325.000 dólares que costó la primera parte.

Los hechos narrados tienen lugar momentos después del final de la primera parte. Recordemos que el Dr. Loomis (Donald Pleasence) disparó seis veces al asesino Michael Myers, cayendo este por el balcón de la casa de Laurie Strode (Jamie Lee Curtis), sólo para desaparecer misteriosamente momentos después. Laurie, aun en estado de shock, es conducida al hospital de Haddonfield, y Loomis continúa la búsqueda de un asesino aparentemente inmortal. Tras eludir a las fuerzas del orden, Myers se las arregla para llegar al hospital, donde comienza una nueva orgía de sangre.

 

Para muchos no será diferente de cualquier otro slasher, en que unos personajes bastante idiotas van cayendo como moscas víctimas de su estupidez. Quien así la juzgue, o peca de simplista o habla condicionado por el reductio ad abusrdum de los códigos clásicos del cine de terror. Estos monologuistas de botellón, parecen obviar que estos códigos, son precisamente los que definen el género y lo dotan de entidad, y que de ellos puede hacerse un buen uso o un abuso, como decía ese anuncio de TV.

Dicho esto, Halloween II es dignísima como secuela y tiene mucho dónde rascar. No parecía difícil hacerlo bien si se contaba con el mismo equipo responsable de la primera parte. Dean Cundey (Regreso al Futuro) está de nuevo a cargo de la fotografía, y aunque John Carpenter no dirija esta vez, si que firma el guión junto Debra Hill, ejerciendo ambos de productores. Carpenter además, repetiría como compositor de la música.

Por momentos, parece que Rosenthal - realizador novel, que solo había dirigido algún capítulo de la serie Secrets of Midland Heights  - se hubiera limitado a decir el action dejando el peso de las decisiones importantes al equipo creativo de La Noche de Halloween. Aun con Laurie postrada en una cama, la película sigue los mismos derroteros que su predecesora. En este caso las muertes se suceden en el hospital, y cómo siempre, Loomis está en la otra punta del pueblo, buscando a Michael Myers en el sitio equivocado, desatendiendo por completo a la joven.

Visualmente, volvemos a encontrar aquella iluminación parcial y selectiva, que esconde una sorpresa en las sombras del encuadre, y una steady subjetiva para Myers, dos recursos que funcionan de maravilla vehiculados a través de la que para mí es la principal virtud del film: su discreto uso de los trucos de la vieja escuela, que están presentes sin resultar ostentosos. Aunque hay apariciones repentinas y asesinatos en el área desenfocada de la imagen, Rosenthal y Carpenter optan por no subir el volumen, ni añadir una exasperarte música in crescendo. Todo está en el montaje, en el encuadre y en un efectivo uso de los silencios.

A medida que se suceden las muertes de enfermeras y guardias de seguridad, somos cada vez más conscientes de que estamos ante una repetición estructural casi mimética del guión de la primera parte, pero no nos importa, pues cada asesinato es más original e impactante que el anterior. Existe un refinamiento en la fotografía de Dean Cundey, que sin llenar la pantalla de sangre logra un algunas imágenes tan tétricas como bellas en su aspecto formal. El tramo final goza de un ritmo admirable, y además de revelarnos datos muy interesantes sobre Myers, deja en el aire preguntas igualmente inquietantes ¿Hasta que punto es dueño de sus actos? ¿Cuándo empezó su mente a abandonar el mundo real? y sobre todo ¡¿Por qué no muere nunca?! 

Filmaffinity está llena de críticas negativas de Halloween II, que la ponen de cutre y patética para arriba, tachándola de subproducto comercial, y acusándola de aprovechar el filón de la primera parte. Hay quien se pone verosimilista y casi todos hacen reductio ad absurdum, incluyendo  comparaciones jocosas o chistes. Unos y otros parecen más preocupados por aparentar, que por decir algo honesto, pero usan para ello los lugares comunes más gastados del trollismo informático, logrando un efecto contraproducente.

Aunque La Noche de Halloween me causó pesadillas cuando la ví a los 8 años y es todo un referente; no había visto su secuela directa hasta hoy. No me corto al decir que mantiene el nivel de calidad casi rozando a su predecesora. Cabe preguntarse si el mérito es más de Rosenthal o de Carpenter, pero desde luego, esta segunda parte merece una reivindicación.

El hombre de acero (Man of Steel, 2013)

La estética refinada de Zack Snyder y el sello personal de Christopher Nolan auguraban un reboot de Superman de cierta carga dramática, en la línea de las nuevas películas de Batman. Un nuevo comienzo que dejaba a un lado la emblemática saga protagonizada por Christopher Reeve, y reflotada en 2006 por el director Bryan Singer, film fallido aunque respetuoso hacia la saga clásica. Esto ha ido provocando reacciones encontradas entre los fans conforme se conocían nuevos detalles. Este viernes por fin llegaba a las carteleras españolas Man of Steel.

Como en casi toda historia  de superhéroes, la trama (firmada por Nolan y David Goyer, co-autor también de las películas sobre El Caballero Oscuro) no es más que la vieja historia del bien contra el mal. En este caso, Superman (o Kal-El para la ocasión, pues en virtud de una pretendida dimensión del personaje, el nombre popular del mismo tarda mucho en aparecer) se enfrenta a un villano de sobras conocido por los fans, el general Zod (Michael Shannon releva con eficacia al Terence Stamp de Superman II) quien en su intento por restablecer la estirpe de los kryptonianos en el planeta Tierra, tratará de hacerse con el códice, fuente de la vida y herencia genética de Krypton; y también un macguffin tan insípido como irrelevante.

Narrativa y estéticamente, a efectos prácticos, pareciera que la película la hubiera dirigido el propio Nolan. Tal como se esperaba, el tono del filme y su estética visual - colores desvaidos hasta lo mortecino, contraste realzado y virados de color - , es definitoria del equipo responsable, y también de la tendencia actual, para alegría de unos y descontento de otros. Estructuralmente, el ritmo acelerado de las tomas de acción es compensado con un tono reflexivo para las escenas intimistas sobre los orígenes del personaje.

He disfrutado más con estas últimas que con los efectos visuales, que por qué no decirlo, también son de primer nivel. Pero incluso cuando se nos cuenta la historia personal de Clark Kent, lo que no debía haber ido más allá  de una planificación académica, se convierte en el festival de la cámara en mano. Supongo que en un intento de dotar a la historia de mayor verosimilitud, Snyder opta por este tono documental que rompe el pacto ficcional y el equilibrio necesario en un filme como este. El sostener la cámara a pulso tiene una significación muy concreta en el lenguaje cinematográfico, y su uso en El hombre de acero es injustificado.

El casting me parece uno de los mayores aciertos. Henry Cavill, que se quedó a las puertas de protagonizar Superman Returns, interpreta todo lo bien que le permite el guión; y además llena sobradamente el traje, sin necesidad de esos relieves tan divertidos de Michael Keaton y George Clooney en el Batman de los noventa (que conste que Chris Reeve tampoco llevaba relleno). Pero sin duda la expreriencia es un grado, y quedé encantado con las interpretaciones de Russel Crowe como Jor El (superado el mal trago de Les Misérables), y de Kevin Costner y Diane Lane como Johnathan y Martha Kent.

Disfruté mucho los velados homenajes a la saga original, basados únicamente en la composición - incluso parcial - de ciertos planos, y alejados de aquellos guiños bastante más evidentes de Superman Returns. Agradecí también la explicación de la letra S en la vestimenta de los miembros de la Casa de El, que era un evidente gazapo del filme clásico (supongo que algo de esto habrá en los cómics).

Aunque lo pasé en grande en el cine, no puedo decir que el film sea perfecto, y ciertamente prefiero la honestidad de las películas de Marvel, dónde el tono no condiciona una visión forzadamente sesuda como en este Man of Steel.