Están Vivos (They Live, 1988)

Seguimos con John Carpenter; esta vez con uno de los clásicos tardíos de su filmografía. Están vivos narra el intento de George Nada (Roddy Piper, luchador de wrestling y actor ocasional), el paradigma del hombre corriente, por detener una invasión alienígena encubierta tras mensajes subliminales. Unas gafas de sol especiales creadas por un pequeño grupo insurgente, le permiten identificar a los invasores, que vistos a través del cristal, presentan un aspecto deforme y amenazador.

Vi esta película en mi adolescencia, en un pase de Canal +, y la recordaba inteligente y entretenida. Ayer decidí revisionarla en lo que está siendo un improvisado ciclo de Carpenter, y me ha producido sentimientos encontrados. Pero empecemos por el principio.

IMDB estima el coste de esta película en cuatro millones de dólares, una cifra ridícula para cualquier producción  hollywoodiense, pero que en manos de Carpenter – quien ya demostró el partido que puede sacarle a presupuestos reducidos – podría haber dado para mucho más.

Se nota que estamos ante una producción de bajo coste. Las estrellas de cine quedan descartadas, abunda el rodaje en exteriores o localizaciones reales, e incluso la fotografía está muy limitada, dando a la imagen una impersonal textura de telefilme.

Desprovista de un estilo visual definido, sólo nos queda confiar en que al menos, Carpenter sabrá contarnos una buena historia, con su uso del montaje y la planificación. No obstante, también encontré carencias en estas materias que se suponían aprehendidas mucho tiempo atrás, en películas como La Noche de Halloween o La Niebla.

  
Y es que hay escenas innecesariamente dilatadas y repetitivas. El asalto policial al gueto donde vive el protagonista - supuestamente una escena de acción - se prolonga durante cinco minutos sin lograr transmitir la sensación de peligro que debería; vemos excavadoras arrasando con las chabolas como si de un documental se tratara.  Más adelante, cuándo George insta a su compañero Frank (Keith David) a que se ponga las gafas, se inicia una interminable pelea de 7 minutos donde Roddy Piper hace gala de la que es su verdadera vocación, la lucha libre al más puro estilo de la WWF. La escena está tan fuera de lugar que provoca sorpresa y risa floja a partes iguales. Hoy día hay quien todavía la recuerda, y la define como "épica", "memorable"; e incluso como "lo mejor de la película". Desde luego es muy divertida, y está bien rodada. Haciendo una pequeña investigación, he descubierto que al igual que yo, mucha gente retuvo ese "¡Ponte las gafas! - ¡Que te jodan a tí y a tus gafas!".

En cualquier caso, Carpenter, que también firma el guión, podría haber usado esos minutos en desarrollar un poco más la trama, que obvia detalles importantes ¿Cuándo empezó la invasión? ¿Existe un plan de ataque elaborado? ¿Cómo están fabricadas las gafas?.

Además de la escena de la pelea, solo salvaría dos más; cuando George se pone las gafas y comienza a ver de forma manifiesta mensajes subliminales por toda la ciudad; y el divertido desenlace/epílogo en el que por fin, la humanidad “despierta”. Por otro lado, es encomiable el subtexto del film; El control de los aliens no es distinto al que, de hecho, se ejerce desde los medios de comunicación y los poderes fácticos de la clase política.

No es que exija una seriedad que desde luego el filme no tiene, pero el humor también lo veo artificial e impostado. El tono navega entre el suspense y la comedia, y se adivinan ecos de Golpe en la Pequeña China, pero sin la gracia o la coherencia interna de aquella. Sinceramente, no podía dar crédito a lo que estaba viendo cuando George decide insultar a los aliens (“¡Parece usted un queso de grullere!”) y cargar contra ellos a tiro de escopeta, sin al menos haber concienciado a unos cuantos para su causa, formando un comando de asalto o algo así. Ni Roddy Piper es Kurt Russel, ni el mito del héroe urbano trasnochado y palurdo a lo Jack Burton tiene en esta ocasión un trasfondo que lo haga creíble.

Encerrada (John Carpenter's The Ward, 2010)

Con dos años de retraso y directa a DVD, en 2012 llegaba a España Encerrada, el esperado regreso de John Carpenter a la pantalla grande, y a su género predilecto; el horror. Se esperaba mucho de esta cinta, dado quien la firma, y al parecer ha causado alguna que otra insatisfacción entre los fans del maestro.

El guión corre a cargo de Michael y Shawn Rasmussen, que por su corta carrera, pareciera que son simplemente dos principiantes con la inmensa suerte haber tenido a John Carpeneter al frente de su floja historia. En ella conocemos a una joven (Amber Head) que despierta en una institución psiquiátrica sin recordar qué le ha llevado allí, y que no tardará en ser acosada por el fantasma de una antigua paciente fallecida en el centro.

Aun ceñida a los parámetros del cine espectáculo de nuestros días, apreciamos desde los primeros minutos la mano de un director experimentado que conoce todos los  recursos del género que maneja. Ningún plano está de más, y ningún efecto es en vano. Así, The Ward inicia su recorrido con paso firme y sin escalas.

No es sin embargo, una carrera de fondo. Conforme avanza, el film cae en una serie de tópicos que huyen de toda sutileza y/o sugestión. Llegamos a pensar que Carpenter ha perdido su genio, pero uno se pregunta si no será culpa del guión. En cualquier caso, todo el segundo acto me resulta innecesariamente dilatado y falto de emoción, incluso teniendo un par de muertes (por perforación ocular y electrocución) muy resultonas.

Quizá lo mejor de la cinta sean esas dos escenas, además de un correcto trabajo del elenco y una la cuidada ambientación, que sitúa la película en los años setenta, pero de forma discreta y sin extravagancias. También es de agradecer alguna que otra referencia a Alguien voló sobre el nido del cuco, ya sea en el diseño de los sets o en el personaje interpretado por Susanna Burney (una enfermera muy parecida a la que le valió el oscar de Louise Fletcher).

Poco antes del final deseé que al menos, como ocurre en casi todo el cine de terror actual, la trama me sorprendiera con un giro inesperado. Pues sí, el desenlace colmó mis expectativas ofreciendo una revelación que, si bien no es del todo novedosa, a mi me resultó de lo más gratificante.

En resumidas cuentas; John Carpenter se limita a cumplir, y salvo un par de aciertos, el film es de lo más convencional, y desde luego el más impersonal de toda su filmografía. Como fuere, aún se muestra capaz de lograr varias escenas de impacto. Si Carpenter sigue en activo los próximos años, supongo que sólo será cuestión de encontrar un buen guión que no le haga ceñirse tanto a los modos de representación actuales como este.

La Niebla (John Carpenter's The Fog, 1980)

La niebla es el cuarto largometraje de John Carpenter para la gran pantalla, y el segundo en el género de terror, tras La Noche de Halloween en 1978. No hay que confundirla con su reciente remake Terror en la Niebla (The Fog, 2007) ni con La Niebla (The Mist, 2005) dirigida por Frank Darabont, y basada en una novela de Stephen King.

Recuerdo haberla visto hace unos diez años, en una de esas noches de verano en las que sacaba la tele y el VHS al patio, juntaba a algunos amigos y comíamos palomitas mientras disfrutábamos de algún clásico del terror. Si no me falla la memoria, aquella noche hicimos programa doble con, de hecho, La noche de Halloween. Y debió ser la comparación con el clásico definitivo del maestro Carpenter, lo que dejó en mí un recuerdo de La Niebla como una película flojita y olvidable. No obstante, vista hoy, con algo más de perspectiva y criterio fílmico que el de entonces, la película ha ganado algunos enteros.

El pequeño pueblo costero de San Antonio Bay, es víctima de una antigua maldición, por la cual, los fantasmas de Sam Blacke y de su tripulación abordo del Elizabeth Dane, vuelven a la vida en busca de los descendientes de sus asesinos. Cuando un banco de niebla se aproxima a San Antonio Bay en la noche de su centésimo aniversario, los muertos se cobran su venganza.

Es una premisa sencilla, pero funciona. La leyenda de la antigua maldición es en verdad inquietante y se expone inteligentemente dosificada en dos escenas, una al comienzo (genial ese lobo de mar rodeado de niños junto al fuego) y otra más tarde hacia el ecuador del filme, (relatada esta vez por el sacerdote del pueblo) que ofrece más detalles dando a la historia el trasfondo necesario.

Me resultó bastante acertado incluir un personaje que condujera a los protagonistas por el camino correcto, a través de una emisora de radio que emite desde el faro del pueblo. Así, del mismo modo que un faro orienta a los barcos perdidos cuando hay niebla, la locutora Stevie Wayne (Adrienne Barbeau), intenta salvar a su hijo y a quienes le están protegiendo.

 
La película cuenta además con otros atractivos. La cuiadada fotografía de Dean Cundey ha resistido bien el paso del tiempo y la banda sonora compuesta por el propio Carpenter y orquestada con sintetizadores por Dan Wyman dota a la película de una atmósfera de lo más sugestiva.

 
Además, siempre es un placer ver a Jamie Lee Curtis, aun en un papel tan simplón como el que aquí representa, y tanto más asombroso es ver a su madre, Janet Leigh, algo entrada en años pero totalmente en forma y poniendo gran pasión en su trabajo. También hay que destacar la presencia de Hal Holbrook haciendo del Padre Malone; Holbrook es uno de esos actores de los que te suena la cara, y cuando te das cuenta ha trabajado en casi todas tus películas y series favoritas.

En lo negativo, le achacaría cierta oscuridad en la trama. No queda claro que las víctimas sean descendientes reales de los asesinos o simples elecciones al azar. Por otro lado, no se nos muestra como el resto del pueblo afronta la maldición, sino que en los últimos minutos, San Antonio Bay parece estar desierto a excepción de los protagonistas.


También señalaría algunos efectismos poco sutiles. No me refiero a la niebla, que está muy bien representada, ya sea con máquinas de humo o mediante efectos ópticos, sino  a ciertos trucos de la vieja escuela que podrían haberse rodado con más sutileza. Por otro lado, puede que el ritmo sea algo lento para nuestros días, aunque no hay que olvidar que la película tiene ya 33 años.

En resumen, La Niebla es quizá un clásico menor, pero hará pasar un buen rato a los fans del cine de terror, gracias a al agradable clasicismo formal propio del mejor John Carpenter.

Las Aventuras de Tadeo Jones (Enrique Gato, 2012)

Por fin se estrenó Las Aventuras de Tadeo Jones, tras una odisea que duró 48 meses y en la que, me consta, han trabajado sin descanso más de 300 técnicos a plena dedicación. Esta película es la culminación del proyecto personal de su director, Enrique Gato, quien anteriormente había dado vida al personaje de Tadeo a través de dos cortometrajes y dos cómics dibujados nada menos que por Jan, el creador del genial Superlópez.

Como Superlópez, Tadeo es una suerte de héroe en zapatillas, un Indiana Jones patoso, cándido y fracasado. No es mala idea en absoluto y tenía muchas posibilidades de resultar algo divertido, pero me temo que una vez más, la idea se ha quedado en eso: una idea. Entiendo el concepto, entiendo cuál es su target y poseo la misma cultura general (o cultura basura, dirían algunos) que su creador Enrique Gato, pero como he dicho, algo se pierde en el camino.

Quienes quieran ver en esta película un producto para niños sin más afán que el de hacerte pasar un buen rato (una coletilla en exceso indulgente que se usa con demasiada asiduidad) están en su derecho, pero en mi opinión la ópera prima de Enrique Gato tiene serias carencias; empezando por el tratamiento de los personajes. En ninguno de ellos se alcanza a ver un atisbo de ingenio, no tienen vida o rasgos distintivos. Incluso las ochentosas películas de Disney eran capaces de construir villanos y héroes deacuerdo a los patrones clásicos, y no por ello faltos chispa, como este Tadeo, su amiga, Sara, el galán malote Max Mordon o el alivio cómico ,Freddy.

El guión corre por los mismos derroteros. Se podrá decir que pretendía ser una parodia, que la gracia está precisamente en su carácter referencial, que es un guiño a Indiana Jones... Nada de eso me sirve. La trama no despierta interés, los chistes necesitan una reescritura urgente y las alusiones al personaje interpretado por Harrison Ford se me hacen demasiado visibles y machaconas, alejándose de lo que hubiera podido ser un discreto y respetuoso guiño a la saga de Spielberg.

Y si todavía se me pudiera echar en cara que no la he sabido ver con los ojos de un niño, permitidme mencionar películas como Shrek (Andrew Adamson, 2001) y Toy Story (John Lassetter, 1995) (también infantiles, paródicas y referenciales, pero con guiones ingeniosos y divertidos) o incluso viejas producciones como Basil, El Ratón Superdetective (Musker, Clements, Mattinson, Michener, 1986), film menor de la Disney que aunque fallido, rezumaba pasión y entusiasmo en cada trazo.

Pero no todo es deleznable en Las Aventuras de Tadeo Jones. Del mismo modo que defiendo la valiente iniciativa de hacer La Herencia Valdemar (Jose Luis Alemán, 2010), (autofinanciarse para adaptar a Lovecraft al cine y contar con Silvia Abascal y Paul Naschy ya merece un aplauso), siempre admiraré las agallas de los creativos españoles al poner en pie proyectos arriesgados como Tadeo Jones, y hay que decir que la animación 3D, y sobre todo la labor de compositing están al más alto nivel. También destaco el buen hacer de los actores que han prestado su voz a estos personajes, especialmente el trabajo de Oscar Barberán como Tadeo.

Ojalá hubieran contado con un buen guión, porque el apartado técnico merece todo mi respeto y aplauso.

Love Never Dies (Andrew Lloyd Webber, 2012)

Han pasado diez años desde el incendio que asoló el Teatro de la Ópera popular de París. Christine Daeé, que está en sus horas bajas y endeudada por culpa de los malos hábitos de su marido Raoul, ha sido invitada por Oscar Hammerstein para cantar en su teatro, pero la oferta es rápidamente superada por el Señor Y, el misterioso dueño del show Phantasma, en la isla neoyorquina de Coney Island. Poco imaginan Christine y su marido Raoul, que el señor Y es en realidad el extraño ser que años atrás los tuvo a su merced, y que pronto los someterá a un trato que pondrá en juego sus vidas y la de sus seres queridos.

Hubo un tiempo en que los aficionados al teatro musical, tras asistir a una representación (o sin tener siquiera la posibilidad de ello), teníamos que conformarnos con escuchar el CD, o recurrir a bootlegs de una calidad de imagen deficiente. Afortunadamente, cada vez son más los espectáculos de Broadway  que salen a la venta en vídeo de forma oficial (ahí están las cuidadas ediciones de Rent, Los Misérables o El Fantasma de la Ópera), para que los fans podamos disfrutar de una experiencia lo más cercana posible a la teatral. Si esto coincide con el advenimiento del Blu Ray y la alta definición, tanto mejor.

Hoy por fin he podido sentarme tranquilamente a ver Love Never Dies, la secuela oficial de El Fantasma de la Opera, con música firmada de nuevo por Andrew Lloyd Webber y con Ben Elton como autor del libreto. Las críticas que ha recibido esta obra, y el nombre de Ben Elton, ligado al nefasto guión de We Will Rock You, me auguraban lo peor. Pero he de decir que mis temores eran, hasta cierto punto infundados. Veamos por qué.

No negaré lo evidente; este montaje teatral es claramente deudor del primer Phantom of the Opera, con una estética intencionadamente efectista y exageradamente oscura y grotesca, basada en el burlesque y el grand gignol, así como en los elementos más icónicos de su obra predecesora.

La historia, la escenografía e incluso los acordes se prestan al juego fácil de la nostalgia. Muchas melodías suenan familiares, y se nos presenta de nuevo a personajes como Madame Giry y a su hija Meg, a Christine, Raoul y por supuesto al Fantasma. La estructura del libreto es por momentos, una copia idéntica de la obra original, y en lo visual volvemos a encontrar puentes colgantes, camerinos, puertas secretas, espejos espías, candelabros, y hasta un mono tocando los platillos.

Ben Elton insiste en hacer creíble un argumento en el que ningún personaje hace lo que sería razonable, que es huir cuando hay ocasión. En cambio, Christine y Raoul aceptan sin vacilar las reglas de juego del Fantasma, haciendo avanzar la trama hacia un dramatismo nada sutil.

Pero al comenzar dije que mis temores eran infundados ¿Verdad? Y es que no todo es deplorable. Recomiendo acercarse a esta producción aceptando, nosotros también, las reglas del juego. Ya sabemos que no es más que la secuela residual de una obra reconocida y de gran éxito, y así entendida disfrutaremos mucho más de sus aciertos, que los tiene.

La partitura incluye algunos pasajes que renuevan el crédito de Webber como creador de melodías inolvidables. Destaco especialmente Till I Hear You Sing, canción con la que abre el show, o la oscura y rockera Beauty Underneath.

El casting está correcto, y aunque todo suene al Broadway más académico, destacaría por encima del resto la voz de Ben Lewis (el Fantasma) por su versatilidad, y la de Sharon Millerchip (Meg) por alejarse de los estándares.

Aunque se toman algunos elementos del primer Phantom, la escenografía es a veces deslumbrante y renovadora de los viejos clichés; un diseño basado en fotos y grabados de la época traslada a nuestros días el ambiente ferial de Connie Island con una fidelidad pasmosa, mientras otros decorados, como la cámara de los horrores del Fantasma, son tan vanguardistas como espeluznantes.

Siendo sincero (y asumiendo ataques de los más puristas) he de decir que me he divertido más aun que con el Fantasma original, que con el paso de los años me empieza a resultar lenta y excesivamente densa. Esta secuela la encuentro más ligera y por ello más llevadera y estimulante. Admitámoslo, todos los Phantom Fans sentíamos una curiosidad casi morbosa por saber qué ocurrió después de que Raoul y Christine escaparan del juego mortal del Fantasma en las catacumbas. Matemos la curiosidad y reencontrémonos con esos viejos amigos una vez más.

NIVEL 13 vs. DARK CITY: De la realidad virtual a las visiones cosmogónicas

Se masca en foros y blogs de cine fantástico que estas dos películas fueron claras inspiradoras de la saga Matrix. Y es que a finales de los noventa, ya estaba agotado el concepto de realidad virtual en su aspecto más icónico. Esto es, tal como se mostraba en El Cortador de Césped, Acoso, o incluso Parque Jurásico; como una novedosa tecnología destinada al entretenimiento, el mundo empresarial y el desarrollo científico, con la sofisticación y el empaque visual que proporcionaban artilugios como el casco, los guantes y los sensonres de movimiento.

En vez de eso, a finales de los noventa había un interés por dotar al fantástico de mayor profundidad así como un gusto bastante extendido por la teoría de los multiuniversos, o realidades paralelas. Fuera el casco y los cables, estas nuevas películas elevaban el concepto a un nivel interplanetario o cosmogónico, y mostraban el avance tecnológico como herramienta para la dominación.

Tuve ocasión recientemente de revisionar Dark City (Alex Proyas, 1998) y de ver por primera vez Nivel 13 (The Thirteen Floor, Josef Rusnak, 1999), que se enmarcarían dentro de este cine fantástico más comprometido y sesudo, y he quedado bastante complacido de ambas películas, tanto a nivel visual como narrativo. Si bien no están al mismo nivel, ambas son muy disfrutables y fiel testigo de la época que se hicieron.

Los azulejos de Deckard y otros aspectos interesantes de NIVEL 13

Nivel 13 podría considerarse un paso intermedio entre ambos modelos. Desaparecen los props vinculados a la realidad virtual pero en esencia es lo mismo. Una empresa líder en nuevas tecnologías desarrolla unidades de memoria a las que nos podemos conectar y experimentar una simulación de otros mundos, concretamente, una réplica de Los Ángeles en 1937. Cuando Fuller (Armin Mueller-Stahl) el director del proyecto es asesinado, sus compañeros (Craig Bierko y Vincent D'Onofrio) y su hija (Gretchell Mol) encuentran datos reveladores de la naturaleza siniestra del experimento.

En lo visual, el plato fuerte de esta película es sin duda la recreación de la ciudad de Los Ángeles de finales de los treinta, que nos muestra amplias panorámicas de la urbe. La trama de misterio está muy bien articulada y experimenta bastantes giros y reveses inesperados. Si nos ponemos muy verosimilistas (insulto que usaba Hichtcock para referirse a ciertos críticos de cine), es posible que encontremos alguna incongruencia, pero pero el sorprendente final hace que los detalles que nos molestaban acaben por no tener mayor importancia.

En el lado negativo, encuentro las interpretaciones bastante deficientes. Ni siquiera Vincent D'Onofrio (el recluta Patoso, señores) logra destacar.

A pesar de la cuidada recreación de los años 30, el trabajo de fotografía se me hace tan simple y poco creativo como lo peor del cine de acción de los años noventa, por no hablar de algunos decorados que aluden de forma tan innecesaria como poco sutil a Blade Runner. A veces me daba la sensación de estar viendo Soldado Universal o TimeCop. Los efectos especiales se disfrutarán si se perciben desde la nostalgia, pero es innegable que el tiempo les ha pasado factura.

Pese a todo, funciona. Nivel 13 nos remite, en una ágil metáfora, al mito de la caverna de Platón y expone ciertas ideas de interés sobre la llamada dictadura de las máquinas. Nivel 13 es también el producto más serio e interesante en el que se ha involucrado Roland Emmerich, y eso ya es algo. No es una pieza clave del género fantástico, pero es sin duda superior a la media que reinó en los tristes años noventa.

Dark City, en busca de la Tierra Prometida.

La película de Alex Proyas son palabras mayores. Muy pocas veces me he dado de bruces con un producto tan original. Mas cercana a Matrix que Nivel 13 en estética y concepto, es sin embargo una joya atemporal que se mantiene hoy tan fresca como el primer día.

Desde la primera imagen (un travelling vertical que empieza en las estrellas y se va introduciendo en la ciudad oscura que da nombre al film) nos damos cuenta que estamos ante un producto de gran calidad visual. Se perciben ecos del mejor film noire así como reinvenciones de la mejor ciencia ficción desde Metrópolis a Blade Runner.

La película revisita las teorías de Sócrates o Rosseau sobre la predestinación y la bondad innata del hombre, a través de los ocultos, una extraña raza alienígena que ostenta un hipnótico poder sobre la ciudad, mientras tratan de averiguar qué nos hace humanos, particulares y diferentes.

El protagonista del filme, John Murdoch (Rufus Sewell) afectado de amnesia, debe combatir la dominación de los ocultos, subvirtiendo sus normas y alcanzar nada menos que su particular tierra prometida. En este caso, no es la tecnificación informática, sino el avance de la ingeniería genética, el que es puesto en entredicho. Como vemos, una idea profunda revestida por un elegante diseño de producción que deja a Matrix y a Nivel 13 muy por debajo.

Por si fuera poco, el reparto está encabezado por William Hurt, Jennifer Conelly, Kieffer Shutterland y Rufus Sewell, que están más que correctos en sus respectivos roles.

Por mucho que me esfuerzo en buscar algún fallo a esta obra maestra, lo cierto es que me parece redonda en todos sus aspectos formales y narrativos. Solo puedo recomendarla fervientemente y esperar que disfrutéis tanto como yo con su visionado ¿Sí?

Spock Speaks! Zachary Quinto habla sobre Star Trek 2

A falta de un año y pico para el estreno de la secuela de Star Trek, dirigida nuevamente por J.J. Abrams y con el reparto original a la cabeza, el protagonista Zachary Quinto ha comentado que los nuevos miembros del reparto, Benedict Cumberbatch, Peter Weller y Alice Eve "se han adaptado perfectamente, aportando un alto nivel de inteligencia y sesnibilidad" a la producción. Al parecer ya hay un guión, si bien no es definitivo y aun está en proceso de desarrollo.

"El guión está en continuo cambio, lógicamente."

Dice Quinto: "Esta siendo realmente fantástico. Llevamos rodando una semana y media, y está siendo increíble regresar a ese mundo. A mediados de diciembre, yo estaba ya en plan "¡Necesitamos leer el guión!". Se ha retrasado un poco, pero es porque han estado trabajando en ello. Ha habido una huelga de guionistas que les ha impedido desarrollar el guión. Ahora está en continuo cambio... vamos, lo normal."

Personalmente me alegro un montón de saber que la cosa está en proceso. Star Trek (J.J. Abrams, 2010) me pareció divertida, fresca, revitalizante y emocionante, y para esta segunda no solo contamos con el mismo director, y el repartazo de la primera (qué ganas de ver a Zoe Saldana enfundada de nuevo en las estrecheces del uniforme de la Flota Estelar), sino que se añaden nombres clásicos como Peter Weller (Robocop, demonios) y una estrella emergente como Benedict Cumberbatch (el nuevo Sherlock Holmes de la serie televisiva).

¿Qué puedo decir? ¡Adelante a velocidad de curvatura!

Fuentes:
io9.com
blogdecine.com

Blackthorn, Sin Destino (Mateo Gil, 2011)

Mateo Gil, personaje clave en el ascenso meteórico de Alejandro Amenábar, ha sido tres veces premiado con el Goya al mejor guión por Agora, Mar Adentro y El método, y al mejor cortometraje por Dime que yo. Ahora nos sorprende con un western, en la que ha sido su segunda película desde Nadie Conoce a Nadie.
Se atreve además a rememorar la leyenda de los forajidos más legendarios del lejano oeste: Bucht Cassiddy y Sundance Kid. Cassidy (Sam Sheppard), años después de haber sido dado por muerto, vive en realidad retirado en Bolivia bajo el nombre de James Blackthorn. Su fortuíto encuentro con Eduardo Apodaca (Eduardo Noriega) marca el inicio de una última aventura que le llevará en busca del botín que Apodaca dice haber robado a Patiño, dueño de una mina de carbón. Juntos irán en busca de los 50.000 dólares que esconde Apodaca en las minas, con los hombres de Patiño pisándoles los talones. También habrá ocasión para rememorar los buenos viejos tiempos de Cassidy con su inseparable Sundance Kid y la guapa Etta Place mediante flashbacks.

Era muy difícil. La leyenda de este célebre ladrón de trenes ya contaba con varias adaptaciones cinematográficas (quizá la más notable sea Dos hombres y un destino), y está visto que nadie puede contar mejor la historia de Norteamérica que los norteamericanos (con excepción quizá, de los italianos). El film de Mateo Gil apenas está a la altura de la grandiosidad del género.

Se adivina el esfuerzo por lograr un tono intimista, reflexivo y alejado de la épica de Leone o Ford, pero Gil tampoco es precisamente Clint Eastwood, maestro del llamado western crepuscular, y el intento hace aguas por todos lados, por culpa, principalmente de un guión soso que ni nos atrapa ni nos emociona. Curiosamente no lo firma el propio Mateo Gil, sino un tal Miguel Barros.

No nos interesa el dudoso destino del señor Blackthorn y su nuevo compinche Apodaca, porque el guión no les pone a prueba; no hay identificación posible ni sentimos la motivación necesaria para seguirles en su aventura. Además, están interpretados con bastante desapego por Sheppard y Noriega (que además actúa en inglés, con un par).

En las escenas de persecuciones y tiroteos se echa de menos un pulso más vibrante, una dosis mayor de épica; todo parece quedarse en un quiero y no puedo, desde el montaje, a la música.

Así pues, si el tono intimista no consigue trascender y la acción esta pobremente dirigida ¿Qué podemos salvar de este western? ¿Una bonita fotografía?

Ni eso, o al menos, no al 100%. En el apartado visual es destacable el trabajo del departamento de maquillaje, vestuario, dirección artística y fotografía. Pero todo da al traste cuando los chicos de postproducción aplican filtros imposibles. Es cierto que hay bellas panorámicas de los impresionantes valles y desiertos bolivianos; y también un virado hacia los tonos cálidos que dotan al film cierto aire clásico, pero en las escenas nocturnas se nota demasiado la impostura; Mateo Gil evitó las complicaciones de rodar de noche y optó por generar los tonos fríos y azulados en postproducción, con un resultado nefasto, artificial. Tanto es así que a veces hasta podemos ver la dura sombra de los protagonistas sobre la arena cuando se supone que el sol ya se ha puesto.

He visto muchos westerns en mi vida, y si se trata de homenajear a un género que amo, me quedo con las inmejorables revisiones de Clint Eastwood, o las divertidas parodias de Robert Zemeckis, Sam Raimi o Alex de la Iglesia. Con mucho pesar, pues admiro el trabajo de Mateo Gil (estamos hablando del hombre que escribió Tesis y Abre Los Ojos), tengo que decir que Blackthorn; Sin destino no llega ni al aprobado.

Para mi asombro, acumula 11 candidaturas a los Goya, incluídas Mejor Película, Mejor Director, Mejor Dirección de Fotografía, Mejor Montaje y Mejor Guión Original.

¡Bill Murray hace jirones el guión de Ghostbusters III!

Según se cuenta en los mentideros internacionales, la esperada tercera parte de Los Cazafantasmas podría no materializarse. El proyecto, que lleva anunciado algún tiempo, cuenta ya con su propia página en IMDB, que anuncia como segura la presencia de Dan Aykroyd, Harold Ramis y el propio Bill Murray como los doctores Raymond Stanz, Egon Spengler y Peter Venkman, acompañados de Sigourney Weaver, en el papel de Dana Barret, el eterno amor de Venkman.

El National Enquirer publicaba ayer una noticia demasiado apetitosa como para no hacerse eco de ella. Según parece, días después de que Aykroyd y Ramis - no sólo actores, sino creadores de la franquicia - enviaran a Bill Murray la última copia del guión, pulida y revisada, el protagonista de Atrapado en el Tiempo devolvió el manuscrito pasado por una trituradora de papel, acompañado de la siguiente nota: "No one wants to pay money to see fat, old men chasing ghosts!".

Más que claro, Murray habría sido ¡cristalino! como decía un atacado Tom Cruise en Algunos hombres buenos. En cualquier caso, teniendo en cuenta el marcado matiz amarillista de la revista, cabe preguntarse si en realidad la fantasmada ha sido de Murray o de la propia publicación. De momento sólo podemos preguntarnos qué podemos esperar de esta secuela si finalmente se hiciera, con o sin Bill Murray.

Yo siempre he sido demasaido optimista, y siempre espero con impaciencia las tardías continuaciones de mis héroes de los ochenta, llevándome posteriormente la consabida decepción: Terminator, Tron, Indiana Jones, etc ¿Hace falta explicar mi experiencia? Y sin embargo siempre vuelvo a caer. Desde que se anunció, siempre concebí Ghostbusters III como un verdadero acierto. Una comedia que aunaría lo mejor de dos generaciones de humoristas. Hubiera sido divertido ver el mano a mano actoral de estos dinosaurios del Saturday Night Live con gente como Jim Carrey, Adam Shandler, Owen Wilson o Ben Stiller.

Que ya si eso vosotros... ¿eh?

Pero a la vista del casting que de momento está confirmado (donde los jóvenes cómicos brillan por su ausnecia), y ante la sonada negativa del doctor Venkman, parece que lo mejor es que nunca lleguemos a ver la tercera parte de la saga ectoplásmica. Porque, si Murray no accede... ¿A quien van a llamar?

Fuente:

www.joblo.com
www.canaltcm.com

The Artist (Michel Hazanavicius. 2011)

Hollywood, 1927. George Valentin es una estrella del cine mudo al que todo le sonrie. Todas sus películas triunfan. Pero la llegada del cine sonoro marca el fin de su carrera y lo lleva a caer en el olvido. Paralelamente, la joven actriz Peppy Miller, a la que Valentin ayudó en sus primeras películas, empieza a tener gran éxito. Peppy, pese a que el actor no quiere saber nada de favores o de compasión, siempre tiene presente lo generoso que fue con ella.

No es ningún secreto que en los últimos años, paralela a la acuciante crisis económica, la industria cinematográfica se encuentra en plena crisis de ideas. Los estudios han exhibido sin el menor atisbo de pudor o vergüenza todo un rosario de innecesarios remakes, continuaciones y adaptaciones de libros y cómics.

Caso distinto es el de algunos directores que, si bien tampoco han innovado, sí que han llevado a cabo trabajos más personales que aluden a una nostalgia sin referentes concretos (sin un libro o película previa), pero que se cimentan sobre unos códigos universales y aprehendidos a través de los años. La película Super 8 de J.J. Abrams fue la primera de estas agradables sorpresas. Se trata de ese cine bienintencionado que nos quiere recordar quienes fuimos una vez, desde una perspectiva honesta y sincera, con el único afan de divertirnos a la par que reivindica su propio lenguaje.
Y eso mismo es lo que persigue The Artist (Michel Hazanavicius. 2011), que ya ha obtenido los premios a la Mejor Película y el Mejor Director del Círuclo de Críticos Cinematográficos de Nueva York y el de Mejor Actor - Jean Dujardin - en Cannes. Rodada en blanco y negro, sin más diálogo que el de los intertítulos, y un formato académico de 1,37:1, la cinta es un homenaje por todo lo alto a la industria del cine; una auténtica pieza de imitación que podría haber sido rodada en los años 20. Su perfección formal es intachable, cada plano recrea limpiamente y con acierto ese cine casi olvidado del vodevil, el amor naïf e idealizado, el melodrama o los frenéticos números musicales de Fred Astaire y Ginger Rogers.

Y es que no hay necesidad alguna de diálogo. Como en las viejas películas mudas, las sensaciones llegan claramente a través de la música, el encuadre y la gestualidad de unos actores inspiradísimos. Cuesta creer que dando vida a la pareja protagonista, haya dos actores contemporáneos llamados Jean Dujardin y Bérénice Bejo. Fue todo un acierto no recurrir a grandes estrellas para encarnar a George Valentin y Peppy Miller, y la inmersión sería completa si no fuera por un plantel de secundarios de lujo, entre los que destaca el rostro familiar de John Goodman, Hugh Cromwell o Penelope Ann-Miller.

En lo discursivo, destaco su banda sonora, y alguna escena especialmente original y conmovedora (cuando Peppi se abraza a si misma a través de la chaqueta de George Valentin) o el acertado uso de los efectos sonoros en la secuencia onírica del propio George.

Resulta difícil ver esta película sin esbozar una sonrisa, aun en la oscuridad de la sala y para nosotros mismos. Aunque la historia no es nueva y nos cuenta lo que ya se narraba con maestría en Cantando Bajo la Lluvia (Stanley Donnen, 1952) o El Crepúsculo de los Dioses (Billy Wilder, 1950), The Artist merece no obstante toda nuestra atención. Se digiere como un plato exótico, refrescante y delicioso que nos deja con ganas de repetir.

Agfa Family Values

Parte I: Valor añadido

Los 8 mm llegaron a mi vida a mediados de los 90, cuando mi padre me regaló el Agfa Family; algo así como un “equipo completo” de Super 8, fabricado en 1981, que incluía un tomavistas con muy pocas prestaciones, y un aparato para visualizar películas a medio camino entre un proyector y una moviola. El equipo era de segunda mano; de un amigo de mi padre, pero estaba prácticamente nuevo,

Antes ya había tenido un CinExín, y también había estado en casa de mi amigo Esteban disfrutando de su maravilloso proyector sonoro y sus películas Disney. Pero nunca había tenido en mis manos la posibilidad de filmar en celuloide.


El Agfa Family, por el nombre y por la foto de que adornaba la caja - una familia feliz congregada alrededor del aparato - ya se adivinaba que no era un equipo profesional. El tomavistas tenía un objetivo fijo de 10 mm sin anillo de enfoque, todo en automático. El proyector realmente no proyectaba, sino que mostraba la película en una pequeña pantalla.

Pero a mi tierna edad, poco me importaba. Yo estaba muy feliz con mi regalo. Mis padres conservaban desde hacía mucho unas viejas películas familiares (donde salía un servidor con apenas 3 años y el rostro salpicado de varicela). Me encantaba verlas una y otra vez, detener la imagen, pasarla cuadro a cuadro, etc. Incluso llegué a telecinarlas de forma muy tosca, apuntando directamente hacia la pequeña pantalla del Agfa Family con nuestra videocámara, una Sanyo que grababa en cintas de Video 8 (formato magnético de 8 mm y 400 lineas de resolución horizontal). Los resultados, como se puede adivinar, fueron bastante pobres.

¡También incluía un cartucho para el tomavistas! En cuanto mi padre me hubo explicado como funcionaba la cosa, me lancé a la calle a filmar, siempre buscando eso que llaman "el valor añadido".

Aquí es donde el relato se vuelve dramático. Si bien fui advertido de que un cartucho apenas duraba 3 minutos, la luz roja que indicaba el fin del mismo, se encendió mucho antes. Pero el motor giraba y el indicador lateral mostraba claramente que aun quedaba algo de película, así que decidí que la luz roja estaba equivocada. Saqué la cámara a la calle durante varios días y el indicador lateral jamás llegó al final.


Pasado algún tiempo, supuse que seguramente ya habría completado los tres minutos, así que mi padre mandó el cartucho a revelar a un establecimiento en Aranjuez. La dirección ya venía apuntada a mano en un sobre incluído en la caja, y pese a mis dudas (ya no eran tiempos de Super 8, y aquel texto parecía haberse escrito hacía siglos), la película regresó sana y salva, en una bobina de 15 m. revelada a todo color.

Parte II: ¡Me lo arrebataron de las manos!

Habría que ponerla ¿No? Toda la familia se congregó – como en la foto – alrededor del Agfa Family para observar mis pinitos como filmaker.

La tragedia se desató cuando vimos que lo revelado no coincidía en modo alguno con lo que yo filmé ¡La imagen mostraba a un grupo de chavales disfrutando de un día de picnic! Posiblemente era la Sierra de Cazalla, población cercana a Constantina, el pueblo de mis padres ¡Me habían dado un cartucho usado!

Entonces, algo sucedió de la forma que sucede en las películas cómicas. Fue un alivio por partida doble y nos ayudó a recuperarnos de la desilusión inicial. Como al minuto y medio de iniciar la bobina, aquella filmación desconocida mostraba a uno de los chicos, visiblemente borracho, protagonizando un striptease sobre un banco de madera. Justo cuando se le iba a ver el culo, la imagen fue engullida por una luz blanca, y un par de décimas de segundo mas tarde comenzaba por fin mi filmación, la que yo había tomado meses antes y había mandado a Aranjuez con tanta ilusión.

Allí, inmortalizados en celuloide, estaban mis padres, mi hermano Pablo, mis tíos Medina y Sole y mi prima Marina – futura veterinaria – alimentando a los perros de su chalé. La cosa terminó pronto. Aquellos fiesteros de la Sierra de Cazalla apenas me habían dejado un minuto. Comprendí entonces que la luz roja había funcionado desde el principio y que si el indicador lateral nunca se llenó es porque dejó de moverse al terminarse el cartucho. Gran parte de lo que esperaba ver en ese rollo jamás quedó registrado.

Cuando quise filmar otro, resultaba ya imposible encontrarlos en ningún establecimiento. Creo que podría decirse que el Super 8, me lo arrebataron de las manos (como decía Michael de su hijo Walt, en Lost) y desde entonces no volví a interesarme por el formato, ni a registrar imágenes en celuloide.

Eva (Kike Mailló, 2011)

Alex (Daniel Brühl), un ingeniero experto en robótica, es convocado por su antigua escuela para retomar un proyecto que dejó a medias diez años atrás: la creación un niño biónico. Alex encuentra su inspiración en Eva; la hija de su hermano David (Alberto Ammann) y Lana (Marta Etura), ambos científicos y antiguos compañeros de Alex.

Cada intento del cine español de abordar la ciencia ficción, merece de por sí una mención. La apuesta por este género lleva implícitos el sacrificio y el riesgo, pues a pesar de nuestro perfeccionamiento técnico, creo que el fantástico en España aun camina sobre una débil línea que a duras penas separa la auténtica película de género, del fracaso más estrepitoso.

A mi modo de ver, Eva se encuentra justo en esa línea. No es un fracaso estrepitoso, pero tampoco es la quintaesencia de la ciencia ficción, ni desde luego una obra maestra. Es un loable tributo de su realizador (el debutante Kike Mailló) al género fantástico.  Aplaudo su valentía; en ningún caso es Eva una mala película.

Su propuesta ha sido usar la ciencia-ficción como telón de fondo para una historia sentimental, a lo que ayuda una fotografía intimista y un uso mesurado de los efectos especiales, sin que por ello dejen de lucir asombrosos en algún momento concreto. El software de "mecánica emocional" que usa Alex, o su mascota biónica, son efectos realmente cuidados y sitúan a Eva a la altura de las grandes producciones norteamericanas.

El reparto está correcto, con un convincente Daniel Brühl a la cabeza, un actor que cada vez me gusta más, por lo realista y natural - casi "casual" - de sus interpretaciones, secundado por Marta Etura, Alberto Ammann y el grandísimo Lluis Homar, en un registro insólito para él. La niña Claudia Vega, sin llegar a ser un "descubrimiento", no lo hace nada mal.

Pero algo le falta a esta película. El drama personal de Alex no logra despertar el suficiente interés y la revelación final, aunque inesperada, tampoco resulta emocionante. El guión no profundiza en los aspectos morales de la robótica y se limita a exponernos ese futuro plausible donde las máquinas emocionales son una realidad. Además, no tolero que, acaso con el propósito de impactar desde un primer momento, el director decida colarnos un spoiler en toda regla al principio de la película. Para manejar los tiempos narrativos de forma ingeniosa hace falta mucho tino y no siempre es necesario u original comenzar por el final. A mi desde luego me mató gran parte de la intriga.

Digamos que Eva es una historia agradable, sencilla e intimista, bien filmada. Sólo cabría esperar en ella un poco más de compromiso moral con el espectador, o perfilar mejor a sus personajes, para compensar la, por otro lado, acertadamente sobria propuesta técnica.

El Señor de los Anillos (Peter Jackson)

No me engaño. Se que además de los gustos personales de cada cual, hay ciertas corrientes de opinión en las que uno se va encorsetando sin darse apenas cuenta, aceptando como verdaderas o plausibles ciertas convenciones. Hay perfiles sociales que, si bien están estereotipados, guardan un sustrato de verdad. Por ejemplo; si rondas la treintena y creciste con el cine fantástico de Spielberg y Lucas, es muy posible que también te rindas a la magnificencia épica de la Trilogía de El Señor de los Anillos. Tanto más si uno tiene cierta formación al respecto de las técnicas de postproducción y efectos visuales.

Aunque me niego a entrar en ese saco, si es cierto que como muchos, fui uno de los que a raíz del estreno cinematográfico de La Comunidad del Anillo (Peter Jackson, 2001) se hizo con los libros de J. R. R. Tolkien para leerlos, quizá tardíamente, por primera vez. En su día, quedé maravillado por la fantasía y la aventura que destilaba la novela, y esperé pacientemente el estreno de las dos películas que completarían la trilogía: Las dos torres  y El retorno del rey (Peter Jackson, 2002-03) .

Una cosa si es cierta. Jamás el universo de Tolkien fue ni será retratado en el cine con tanto cuidado y esmero. Las películas de Peter Jackson rezuman una impresionante calidad técnica y atención al detalle. Nada ha sido omitido: cada máscara, cada armadura y cada matte painting alude con fuerza al mundo imaginado por el escritor británico. Los fans pueden estar contentos. Sí, porque además, la fidelidad al libro es profusa y absoluta, salvo algunos detalles duramente criticados en su día, pero perdonados y olvidados al poco tiempo.

Peter Jackson pasó de dirigir títulos como Mal gusto (Bad Taste,1987) y Braindead, tu madre se ha comido a mi perro (Braindead, 1992) a dar vida a uno de los textos de narrativa fantástica más respetado y temido por la industria cinematográfica. Después de algunos trabajos divertidos y canallas, abrazó los grandes presupuestos y actualmente se codea con el mismísimo Spielberg.

No obstante, a mi modo de ver, tampoco hay para tanto con El Señor de los Anillos, e incluso me atrevo a soltar la manida frase: "están sobrevaloradas". No las he revisado recientemente y escribo basándome sólo en mi memoria. Pero sí que vi varias veces La Comunidad del Anillo, y un par Las Dos Torres y El Retorno del Rey. El problema principal de estas películas es el tratamiento de la historia y la supeditación a un envoltorio deslumbrante que oculta no obstante serias carencias narrativas.

No negaré que la primera parte funciona bien. Tiene un prólogo inquietante, una hermosa introducción y un desarrollo emocionante y variado. Su larga duración se soporta gracias al cambio continuo de escenarios, a cual más espectacular, y el desfile incesante de pruebas y peligros para nuestros héroes. No ocurre lo mismo con Las Dos Torres. De repente, la vivacidad de que hacía gala su predecesora, desaparece en este segundo acto, estanco, lento y aburrido hasta el hastío, donde llegamos a plantearnos si no hubiera sido mejor eliminar una o dos escenas en lugar añadir los 50 minutos de su edición especial. 

La línea argumental relativa a Frodo, Sam Gamyi y Gollum, es agotadora. La desconfianza de Samsagaz hacia Gollum queda patente gracias a unos diálogos repetitivos y cansinos. Dicho de otra forma, hay cuatro o cinco escenas iguales. El resto de la película aguantaría el tirón si no fuera por una mal entendida fidelidad al texto de Tolkien. Habrá quien se eche las manos a la cabeza, pero siempre he defendido que el cine y la literatura son lenguajes distintos y que una innecesaria fidelidad puede ser contraproducente (vease El Resplandor de Mick Garris) ¿Hay necesidad de reproducir hasta el milímetro cada pequeño detalle, a riesgo de confundir y/o perder definitivamente al espectador? La cantidad de información vertida en las películas de Peter Jackson, y sobre todo su extensa duración, llega a ser abrumadora. Este tratamiento quizá hubiera sido lícito racionado en capítulos de cuarenta minutos - Jackson podría haber dado forma a una gran serie de televisión - pero se hace denso y carente de interés si tenemos que permanecer inmóviles ante la pantalla durante tandas de 4 horas.

El Retorno del Rey vino a mejorar un poco la situación; la recuerdo más entretenida y variada que Las Dos Torres, pero  para entonces la llama de la aventura y mis espectativas se habían apagado. Los personajes parecían cada vez más de cartón piedra. Una mirada perdida, un tono de voz quebradizo y un brillo en los ojos añadido en postproducción, parecían ser suficiente para disimular un diálogo recargado y artificioso que no hace más que repetir frases huecas revestidas de épica y heroísmo (como en Star Wars, lo admito). El Monte del Destino, el Anillo, la misión, la cuestiones morales y el valor.... todo ello había perdido su sentido y sonaba más a una cantinela que a otra cosa. Las escenas emocionantes, el clímax y el epílogo sí me llegaron a emocionar, gracias principalmente a manidos recursos cinematográficos de la vieja escuela (música, fotografía, etc.). Ya sabemos que el caldo de la vieja escuela siempre nos salva los garbanzos.

Por lo demás, y aunque sea cine fantástico, se echa de menos un mayor realismo a lo largo de las 12 horas que dura el enredo. Algo más de barro, sangre y entrañas. Menos filtros de postproducción, etalonaje y efectos especiales. No se si por suerte o por desgracia, con El Señor de los Anillos empezaba a tomar forma un nuevo concepto visual fuertemente apoyado en la fase de postproducción; una tendencia todavía en alza y que ha tenido su máxima expresión en la sobrecargada irrealidad de 300 (Zack Snyder, 2006) o en la inminente Inmortals (Tarsen Singh, 2011). ¿Dónde quedó el realismo desgarrador de las batallas de Braveheart (Mel Gibson, 1995)? La epopeya de William Wallace empieza a parecer una película clásica (o casi documental) frente a la estilizada saga de El Señor de los Anillos.
 
Así lo viví yo. Mis excusas a los acérrimos fans de la saga, cuyos motivos para defenderla también son loables y fundados.

Namasté, digo Namarïe.

El Misterio de Salem's Lot (Stephen King, 1975)

Hace unos días acabé otra de las obras que tenía pendientes con el maestro del horror.  Salem's Lot (1975) fue su segunda novela tras la exitosa Carrie y supuso su consagración como uno de los primeros nombres de la narrativa fantástica norteamericana. Al poco de terminar de leerla, me dispuse a ver la legendaria adaptación televisiva de 1979.

A pesar de ser una de sus primeras obras, King deja entrever algunas constantes en su narrativa. No sería la última vez que nos presenta a una pequeña población de Nueva Inglaterra como personaje atómico y plural. En el pueblo de Salem conviven personajes de diversa condición social y moral. Tenemos cincuentonas cotillas, borrachos, jugadores, inadaptados, sádicos, maltratadores y también hombres valientes, responsables y comprometidos.

¡Ay! Esas viejas portadas de P&J

 Entre estos últimos enontramos al protagonista Ben Mears; un escritor - qué casualidad - con un par de libros de éxito que vuelve a su tierra natal con la intención de escribir sobre el pueblo. Pretende centrarse en la casa de los Marsten; una mansión en la que Mears vivió una desagradable experiencia cuando era niño, y que a su criterio actúa como catalizador de fuerzas malignas. No se equivoca; pronto conocerá a Straker, un misterioso hombre de negocios que no es sino el servidor de un mal mucho más antiguo y primigenio que el que atemorizó al escritor en su niñez.

Aunque reconocemos el estilo particular de su autor, lo que hace diferente a Salem's Lot es el entusiasmo, la ingenuidad y la energía con que parece haberse escrito. Encontramos a un Stephen King que se recrea con libertad en escenas deudoras del estilo gótico y recargado de Poe o Lovecraft; desapariciones en bosques neblinosos, resurrecciones demoníacas y la eterna lucha entre bien y el mal. La santa señal de la cruz, estacas y agua bendita.

Pero también hay pasajes de una inspirada vena poética y melancólica. Sirva como ejemplo la parte que resume el paso de las estaciones sobre la amilanada y aburrida población de Jerusalem's Lot; o la ironía trágica con la que relata las miserables vidas de algunos de sus habitantes.

La obra podría entenderse como el homenaje de un joven King a los genios consagrados del horror; una obra más fresca y sincera que gran parte de su producción posterior. Por encima de todo es una auténtica y genuina historia de vampiros, al estilo de la narrativa clásica o las viejas películas de la Hammer, y como tal, logra estremecer por momentos, incluso al lector más curtido.

El misterio de Salem's Lot, La hora del vampiro o Phantasma II

Las traducciones al español del telefilme fueron, como se puede ver, de lo más variopintas y confusas. Como dato curioso, la edición en DVD aglutina todas las variantes; muestra en su carátula el erróneo título Phantasma II; en el menú leemos La hora del Vampiro, y ya en la película, al aparecer el título original inglés, una voz anuncia El Misterio de Salem's Lot. Incomprensible.

¡Abre la ventana, Él lo ordena!

Pero entremos en materia. En los años setenta ya era bien sabido que adaptar a Stephen King era asunto rentable, y la obra que nos ocupa tuvo su versión televisiva a finales de la década. El director elegido fue Toobe Hooper, que ya nos había dado La Matanza de Texas (1974) y que posteriormente seguiría fiel al género del horror, siendo su cinta más recordada la exitosa Poltergeist (1982).

Da la impresión de que Hooper se planteó El Misterio de Salem's Lot (Salem's Lot, 1979) como una auténtica película de género, sirviéndose de todos los recursos expresivos clásicos del cine de terror, entre los que destaca una magnífica banda sonora compuesta por Harry Sukman, que nada tiene que envidiar al sinfonismo clásico de Bernard Herrmann.

También hay que destacar una cuidada fotografía. A pesar de ser una miniserie, Salem's Lot está rodada en 35 milímetros, lo cual proporciona a algunas escenas un aspecto inmejorable. La casa de los Marsten resulta imponente en esos contrapicados, y las escenas en que los muertos reaparecen flotando en las ventanas de sus vecinos, son igualmente aterradoras.

La casa de los Marsten

Otro de los grandes atractivos es la presencia del veterano James Mason en el papel de Straker (¡Cómo olvidar su Phillip Vandamm en Con la muerte en los talones!). El actor británico nos regala una brillante interpretación que se sitúa muy por encima de sus compañeros de reparto, incluyendo al protagonista David Soul (que interpreta a Mears).

David Soul y James Manson

Pero el tiempo no pasa en balde. Me apena reconocer que los mismos años que han dado solera al libro de King, han tratado muy mal a su adaptación televisiva. A pesar de la cuidada fotografía, la película presenta un aspecto irregular en su diseño de producción; junto a las bellas localizaciones naturales (la mansión Marsten o las típicas calles rurales de Nueva Inglaterra), los decorados de estudio lucen pobres, artificiales y poco trabajados (la habitación de Mark Petrie o el cementerio).

Tampoco me resultó convincente el maquillaje vampírico de Mr. Barlow, inspirado claramente en el Nosferatu de Murnau, pero con un nefasto resultado que nos saca completamente de la historia. Quizás sea injusto hablar de los FX de maquillaje o del montaje sin una cierta perspectiva histórica, pero creo que incluso para ser una película de 1979, su ritmo es excesivamente lento y que a las escenas de acción – aquellas que enfrentan a los vampiros contra los humanos - les hace falta más de un tijeretazo.

Pese a sus fallos, reconozco que cuando la emitieron en Antena 3, no pude apartar los ojos del televisor, y que mi madre y yo aun recordamos con terror a un vampirizado Danny Glick pidiendo a su amigo Mark que abriera la ventana. El Misterio de Salem's Lot se disfrutará si se ve con nostalgia, perspectiva y comprensión.

Obvia decir que prefiero el libro. Aunque me falta por ver una versión más moderna (2004) producida por Warner Bross y protagonizada por el actor Rob Lowe, no creo que cambie mi opinión. Lo poco que he oído sobre ella no es precisamente bueno.

Más información en:

http://es.wikipedia.org/wiki/El_misterio_de_Salem%27s_Lot